Una breve storia del suono nel cinema

Alcuni dei più grandi momenti della storia del cinema colpiscono le tue orecchie prima di colpire i tuoi occhi e continuano a riverberare a lungo dopo che hai lasciato il cinema: Quelle prime note da brivido del titolo principale di Star Wars di John Williams; il rutto di Booger in Revenge of the Nerds. Ma per il team del suono di un film, è anche catturare e trasmettere la sottigliezza sonora tra quei momenti memorabili che rende un film veramente memorabile.

“È stato detto a lungo che si fa un grande lavoro nel suono quando nessuno lo nota”, dice Gary Rydstrom. Rydstrom è un Sound Designer e Re-Recording Mixer di Skywalker Sound che ha vinto sette volte l’Oscar, ed è stato nel settore fin dalla sua grande occasione come tecnico audio su Indiana Jones e il Tempio Maledetto nel 1984. Questo marchio in qualche modo sfuggente di successo è diventato sempre più facile da raggiungere nel corso degli anni, grazie ai progressi selvaggi nella tecnologia che l’industria ha sperimentato dai film muti dei primi anni del 1900.

Fin dall’inizio del cinema, sono stati fatti moltissimi tentativi sperimentali per fondere più completamente l’intrattenimento audio e visivo – con quasi 40 varietà diverse, molte una tantum, prima che il sonoro entrasse in scena. Produzioni come Don Juan nel 1926 presentavano una colonna sonora ed effetti sonori ma nessun dialogo – non fu fino a quando The Jazz Singer parlò al pubblico nel 1927 che la rivoluzione del film parlante prese veramente piede a Hollywood (e oltre).

Il film è stato registrato in Vitaphone, un sound-on-disc che implicava il minuzioso processo di registrare tutto l’audio su un singolo disco fonografico, per poi sincronizzarlo in tempo reale con la proiezione (simile al classico esperimento del dormitorio del college in cui si fa partire Dark Side of the Moon alla stessa ora del terzo ruggito del leone MGM all’inizio de Il mago di Oz). Nella guerra dei formati degli anni ’20, tuttavia, il metodo molto più affidabile del suono su pellicola (o “suono ottico”) alla fine ebbe la meglio e divenne lo standard industriale fino alla rivoluzione digitale.

Nel frattempo, tuttavia, i registi non solo padroneggiavano questo mestiere in via di sviluppo, ma spingevano anche i limiti tecnologici per servire le loro visioni sempre più ambiziose. In prima linea negli anni ’70 c’era George Lucas, nel bel mezzo della produzione di una rischiosa opera spaziale fantascientifica chiamata Star. Il mono – dove il suono viene emesso da un singolo canale, o altoparlante, situato nella parte anteriore della sala – non avrebbe reso giustizia a questo film. Lucas fece squadra con i tecnici del suono della Dolby, e insieme progettarono quello che sarebbe stato il primo di una serie di collaborazioni significative: Dolby Stereo. Per la prima volta, gli effetti sonori venivano emessi da quattro canali, ed erano rimbombanti. Fu una rivoluzione quasi istantanea.

Da quel momento in poi, Dolby si impose come innovatore del suono cinematografico. Nel 1991, Batman Returns divenne il primo film rilasciato in Dolby Digital 5.1, con il suono proveniente da sinistra, destra e centro davanti, più destra e sinistra. Fu uno sviluppo importante per il pubblico, e anche per i creativi dietro le quinte.

“Il digitale ha cambiato tutto”, dice Rydstrom. “Quando ho iniziato eravamo su grossi pezzi di nastro magnetico e doppiatori che dovevi fisicamente tagliare. Essere in grado di manipolare i suoni digitalmente è stata un’enorme curva di apprendimento, ma era così eccitante che non aveva importanza”. Il digitale ha anche rivoluzionato le console di mixaggio. “Il primo film che ho fatto con James Cameron è stato Terminator 2, e non avevamo una memoria computerizzata. Il successivo che ho fatto per lui è stato Titanic, e la differenza è stata profonda.”

Quando Toy Story 3 è uscito nel 2010, Toy Story e Toy Story 2 erano in programma per una riedizione strategicamente temporizzata, completa di aggiornamento 3D. Il supervisore della post-produzione Pixar Paul Cichocki ha visto la confluenza come un’opportunità. “Quindi abbiamo già ‘rimpolpato’ il look su quelli”, ricorda. “La domanda era: ‘Cosa possiamo fare a livello sonoro per portarlo a un altro livello?”. L’obiettivo era quello di rendere il suono più direzionale e avvolgente, e la soluzione era il Dolby Surround 7.1, che collocava gli altoparlanti anche sul retro del teatro.

E ora, c’è il Dolby Atmos. Con l’Atmos, i suoni non scorrono solo attraverso i canali, ma diventano “oggetti” che possono essere coreografati in uno spazio, e collocati in punti particolari in momenti specifici per massimizzare, beh, tutto. La mia introduzione a questa rivelazione auditiva multidimensionale di livello superiore è stata quando ho visto Gravity al Dolby HQ qualche anno fa, un film che ho sentito nelle viscere e nelle ossa per almeno una settimana dopo.

Quest’anno, Inside Out – un’altra creazione Atmos – è nominato agli Oscar come miglior film d’animazione. Ecco un video esclusivo del regista Pete Docter e del produttore Jonas Riviera che discutono le sfide di localizzare le voci nella tua testa e di articolarle ad un pubblico.

“Tradizionalmente Dolby è stato un processo di masterizzazione”, dice Stuart Bowling, direttore Dolby di contenuti e relazioni creative. “Con Atmos, stiamo andando oltre la semplice esistenza come strumento di mastering – abbiamo dovuto creare un plug-in per spostare il suono in questo ambiente, e creare una nuova scatola di mastering”. Queste manipolazioni precise e la crescente gamma dinamica di ciò che possiamo sentire nei teatri, a casa e in viaggio, sono significative. “Questi sviluppi stanno portando l’esperienza sonora dei film sempre più vicina a come sentiamo la vita reale”, dice Rydstrom.

Ricreare come sentiamo nella vita reale per un film, tuttavia, è “fastidiosamente minuzioso”, dice Rydstrom. Per riuscirci, questi professionisti hanno bisogno del know-how tecnico, ma anche di un orecchio comprensivo; non è detto che sentano meglio di noi non addetti ai lavori, è solo che sentono in modo diverso.

“Faccio più attenzione ai suoni della mia vita”, dice. “Credo di avere un’iperconsapevolezza dell’effetto emotivo del suono. Qualcosa come il cigolio di una porta a zanzariera può avere una risonanza emotiva con le persone.”

Come si fa a fare quella salsiccia per film?

“In un film live action, il lavoro principale è quello di avere la recitazione chiara, e meravigliosa, e libera da tutto ciò che la circonda,” dice Rydstrom. “Quindi, in Bridge of Spies l’obiettivo della registrazione sul set era quello di ottenere un Tom Hanks pulito – non vuoi perdere nulla di quella performance”. (Rydstrom, va notato, è candidato all’Oscar per il miglior risultato nel missaggio sonoro per il suo lavoro su quel film). Quell’audio da solo, comunque, è “quasi antisettico”, intenzionalmente privo del maggior numero possibile di rumori ambientali o di fondo.

Lo stesso vale, in molti modi, per l’animazione moderna: catturare le voci è fondamentale. “Registriamo gli attori a circa tre anni dal rilascio”, dice Cichocki. “E tutti i nostri attori vengono registrati prima di animare. Questo permette agli attori di essere liberi e senza vincoli, di recitare davvero. Registriamo la loro performance, che poi torna agli animatori in modo che possano aggiungere quei pezzi personali.”

Questo è un capovolgimento di quasi 180 gradi rispetto ai primi film sonori, quando gli attori dovevano esercitarsi nel loro mestiere al servizio quasi completo dei limiti e delle capacità della tecnologia di registrazione. Secondo Motion Picture Sound Engineering, una raccolta di conferenze e articoli pubblicata nel 1938, i microfoni e i sistemi di registrazione erano “robot che raccolgono tutto ciò che si trova nel loro raggio d’azione e lo registrano al meglio delle loro capacità”. In ogni caso la direzione del robot, la fornitura di un cervello per il microfono, spetta all’uomo del suono.”

Non è stato così. Questa scena di Singin’in the Rain – uno dei più grandi film di tutti i tempi, ma anche uno sguardo incisivo sulle sfide logistiche del periodo di transizione di Hollywood tra il cinema muto e il cinema parlato – mostra quanto fosse difficile ottenere una buona ripresa.

Quindi, cosa c’è dopo? Per ogni esperienza Atmos progettata per farti venire la pelle d’oca – nei cinema, a casa, persino sui dispositivi mobili e nella VR – c’è un rinascimento altrettanto emozionante nel lavoro di progetti folli e ambiziosi di autori indipendenti; e stanno utilizzando uno strumento che hai in tasca proprio ora.

L’anno scorso, il regista Sean Baker ha fatto notizia con il suo debutto al Sundance, Tangerine – le avventure di due lavoratori del sesso transgender a Los Angeles alla vigilia di Natale – che è stato girato interamente con un iPhone 5. Quest’anno, Matthew A. Cherry, un ex ricevitore NFL diventato regista, presenterà in anteprima il suo secondo film, 9 Rides, al SXSW; è stato presentato come il primo ad essere girato interamente con un iPhone 6S in 4k.

“C’è una tale mistica intorno al cinema”, dice Cherry. “Ero solito pensare che ogni film fosse un affare multimilionario. Tradizionalmente, l’attrezzatura era sempre la parte più difficile da ottenere perché era così costosa, ma in questi giorni tutti possiedono un iPhone. Ci sono delle applicazioni che ti permettono di usare il tuo iPhone come un microfono”.

Questa democratizzazione della tecnologia, così come il numero di piattaforme online onnipresenti per condividere il lavoro con il mondo, sta dando a coloro che non hanno il sostegno, finanziario o altro, la possibilità di vedere realizzate le proprie visioni.

“La maggior parte delle volte devi capirlo da solo”, dice Cherry. “Ma per ogni film come Tangerine, come il nostro, penso che sempre più persone cominceranno a prenderlo in mano.”

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