Exploring the Cutting-Edge History and Evolution of Collage Art

Throughout the 20th century, creatives across many movements, mediums, and styles began to explore the practice of collage art. Pomysłowe i innowacyjne podejście do sztuki przyciągnęło artystów dzięki jedynej w swoim rodzaju estetyce i unikalnemu, połączonemu procesowi.

Zacząwszy od okresu modernistycznego i kontynuując do współczesnego świata sztuki, forma kolażu przeszła serię zmian, ponieważ coraz więcej artystów decyduje się ją odkrywać. Tutaj przyglądamy się najnowszej historii i ciągle zmieniającej się ewolucji tego rzemiosła, zwracając szczególną uwagę na ruchy i artystów, którzy je ukształtowali.

Czym jest sztuka kolażu?

Określony przez kubistycznych artystów Braque’a i Picassa, termin „kolaż” pochodzi od francuskiego słowa coller, czyli „kleić”. Ruch sam wyłonił się pod tej pary artystów, którzy zaczęli pracować z różnych mediów, aby stworzyć awangardowe asamblaże około 1910.

Kolaże mogą być tworzone z różnych materiałów, choć większość z nich jest wykonana z papieru lub drewna i często zawierają wycięte i wklejone zdjęcia, malowane formy, a nawet obiekty trójwymiarowe. Ponieważ coraz więcej nowoczesnych artystów zaczęło eksplorować praktykę w XX wieku, te media stały się bardziej zróżnicowane i coraz bardziej eksperymentalne.

Powiązane ruchy

Kubizm

Podczas gdy kubizm jest najczęściej kojarzony z malarstwem, jego założyciele, Georges Braque i Pablo Picasso, również tworzyli kolaże w tym stylu. Zdefiniowany przez pęknięte formy i zdekonstruowaną tematykę, kubizm doskonale łączył się z podejściem kolażu, ponieważ umożliwiał artystom dosłowne składanie obrazu z niepodobnych do siebie elementów. Dodatkowo, w przeciwieństwie do malarstwa, kolaże nie ryzykowały, że wydadzą się płaskie. Fakt ten, według cenionego krytyka sztuki Clementa Greenberga, był pociągający dla artystów takich jak Picasso i Braque, którzy skupiali się na przywoływaniu wymiarowości w swoich pracach. „Płaskość nie tylko wtargnęła do kubistycznego obrazu, ale groziła jego spłyceniem” – wyjaśniał Greenberg w numerze Art and Culture z 1958 roku.

Oprócz malowanych wycinków, papier gazetowy i wzorzysty papier były często wykorzystywane przez kubistów, jak widać w Picasso’s Butelka Vieux Marc, szkło, gitara i gazeta i Braque’s Skrzypce i rura.

Dada

Zainspirowani nowatorską twórczością Picassa i Braque’a, dadaiści zaczęli eksperymentować z kolażem w latach dwudziestych. W przeciwieństwie do kubistów, którzy preferowali aranżacje martwej natury, dadaiści tworzyli kolaże, które zawierały szeroki wachlarz ikonografii, od reinterpretowanych portretów do postaci zakorzenionych w fantazji.

Dadaiści również twórczo włączyli więcej materiałów do swoich kolaży niż ich kubistyczni odpowiednicy. Członkowie ruchu są szczególnie znani z innowacyjnego wykorzystania pozornie bezwartościowych lub często pomijanych przedmiotów, takich jak bilety, wycinki z czasopism, papierki po cukierkach, a nawet trójwymiarowe drobiazgi. Przekształcając efemerydy w dopracowane dzieła, dadaiści podważali tradycyjne postrzeganie sztuki.

Surrealizm

Po piętach Dada, surrealiści przyjęli i zaadaptowali tę technikę wytnij-wklej. Podobnie jak ich „automatyczne” podejście do malarstwa, artyści ci oparli się na podświadomości, aby stworzyć jedyne w swoim rodzaju asamblaże wykonane z fotografii, ilustracji, kolorowego papieru i farby.

Odrzucając koncentrację kubistów na martwej naturze, przyjęli i rozszerzyli ruch dadaistów w kierunku dziwnych tematów, aby stworzyć dzieła przywołujące na myśl sen. To skupienie jest wyjątkowo widoczne w pracach Josepha Cornella i André Bretona, którzy używali tej metody jako środka do wyczarowania spójnych, ale całkowicie zmyślonych scen.

.