Certains des plus grands moments de l’histoire du cinéma frappent vos oreilles avant vos yeux et continuent de se répercuter longtemps après que vous ayez quitté la salle : Les premières notes du générique de Star Wars de John Williams qui vous font froid dans le dos, l’éructation sans appel de Booger dans La Revanche des Nerds, etc. Mais pour l’équipe son d’un film, c’est aussi la capture et la transmission de la subtilité sonore entre ces moments mémorables qui rend un film vraiment mémorable.
« On dit depuis longtemps qu’on fait un excellent travail dans le domaine du son quand personne ne le remarque », déclare Gary Rydstrom. Concepteur sonore et mixeur de réenregistrement chez Skywalker Sound, Gary Rydstrom a été sept fois récompensé aux Oscars. Il travaille dans ce domaine depuis sa première expérience en tant que technicien du son sur Indiana Jones et le Temple Maudit en 1984. Cette marque de succès quelque peu insaisissable est devenue constamment plus facile à atteindre au fil des ans, grâce aux progrès technologiques sauvages que l’industrie a connus depuis les films muets du début des années 1900.
Dès le début du cinéma, des tentatives expérimentales ont été faites pour fusionner plus complètement le divertissement audio et visuel – avec près de 40 variétés différentes, beaucoup d’uniques, avant que les talkies n’entrent en scène. Des productions comme Don Juan en 1926 comportaient une partition et des effets sonores, mais aucun dialogue – ce n’est que lorsque Le chanteur de jazz s’est adressé au public en 1927 que la révolution du cinéma parlant s’est véritablement installée à Hollywood (et au-delà).
« On a longtemps dit qu’on fait un excellent travail au niveau du son quand personne ne le remarque. »
Le film a été enregistré en Vitaphone, un son sur disque qui impliquait le processus minutieux d’enregistrer tout l’audio sur un seul disque phonographique, puis de le synchroniser en temps réel avec la projection (semblable à l’expérience classique du dortoir de collège où l’on fait jouer Dark Side of the Moon pour qu’il démarre en même temps que le troisième rugissement du lion MGM au début du Magicien d’Oz). Dans la guerre des formats des années 1920, cependant, la méthode du son sur pellicule (ou « son optique »), bien plus fiable, a fini par l’emporter et est devenue la norme de l’industrie jusqu’à la révolution numérique.
En attendant, cependant, les cinéastes ne se contentaient pas de maîtriser ce métier en développement, mais repoussaient aussi les limites technologiques pour servir leurs visions toujours plus ambitieuses. Dans les années 1970, George Lucas était à l’avant-garde de ce mouvement et était en train de produire un opéra spatial de science-fiction risqué appelé Star. Le mono – où le son est émis par un seul canal, ou haut-parleur, situé à l’avant de la salle – n’allait pas rendre justice à ce film. Lucas s’est associé aux ingénieurs du son de Dolby, et ensemble ils ont conçu ce qui allait être le premier d’une série de collaborations importantes : le Dolby Stereo. Pour la première fois, les effets sonores étaient émis par quatre canaux et ils étaient percutants. C’était une révolution quasi instantanée.
À partir de là, Dolby s’est imposé comme l’innovateur du son au cinéma. En 1991, Batman Returns est devenu le premier film sorti en Dolby Digital 5.1, avec un son provenant de la gauche, de la droite et du centre devant, plus la droite et la gauche. C’était une évolution majeure pour le public, mais aussi pour les créatifs en coulisses.
« Le numérique a tout changé », dit Rydstrom. « Quand j’ai commencé, nous étions sur de gros morceaux de bande magnétique et des dubbers qu’il fallait couper physiquement. Pouvoir manipuler les sons numériquement a représenté une courbe d’apprentissage énorme, mais c’était tellement excitant que ça n’avait pas d’importance. » Le numérique a également révolutionné les consoles de mixage. « Le premier film que j’ai fait avec James Cameron était Terminator 2 , et nous n’avions aucune mémoire informatisée. Le suivant que j’ai fait pour lui était Titanic , et la différence était profonde. »
Lorsque Toy Story 3 est sorti en 2010, la réédition de Toy Story et Toy Story 2 était prévue à un moment stratégique, avec une mise à niveau 3D. Paul Cichocki, superviseur de la postproduction chez Pixar, a vu dans cette confluence une opportunité. « Nous avions déjà amélioré l’aspect de ces films », se souvient-il. « La question était de savoir ce qu’on pouvait faire au niveau sonore pour passer à un autre niveau. » L’objectif était de rendre le son plus directionnel et enveloppant, et la solution était le Dolby Surround 7.1, qui situait les haut-parleurs au fond de la salle, également.
Et maintenant, il y a le Dolby Atmos. Avec Atmos, les sons ne sont pas seulement diffusés par des canaux, ils deviennent des « objets » qui peuvent être chorégraphiés dans un espace et placés à des endroits particuliers à des moments spécifiques pour maximiser tout. J’ai été initié à cette révélation auditive multidimensionnelle de niveau supérieur lorsque j’ai vu Gravity au Dolby HQ il y a quelques années – un film que j’ai ressenti dans mes tripes et mes os pendant au moins une semaine après.
Cette année, Inside Out – une autre création Atmos – est nommé pour le meilleur film d’animation aux Oscars. Voici une vidéo exclusive du réalisateur Pete Docter et du producteur Jonas Riviera discutant des difficultés à localiser les voix dans votre tête, et à articuler cela à un public.
« Traditionnellement, Dolby a été un processus de mastering », explique Stuart Bowling, directeur du contenu et des relations créatives de Dolby. « Avec Atmos, nous allons au-delà de notre simple existence en tant qu’outil de mastering – nous avons dû créer un plug-in pour déplacer le son dans cet environnement, et créer une nouvelle boîte de mastering. » Ces manipulations précises et la gamme dynamique croissante de ce que nous pouvons entendre dans les salles de cinéma – et à la maison, et en déplacement – sont significatives. « Ces développements rapprochent toujours l’expérience sonore des films de la façon dont nous entendons la vie réelle », déclare Rydstrom.
Recréer ce que nous entendons dans la vie réelle pour un film, cependant, est « ennuyeusement minutieux », dit Rydstrom. Pour y parvenir, ces pros ont besoin du savoir-faire technique, mais aussi d’une oreille attentive ; ce n’est pas nécessairement qu’ils entendent mieux que nous, les non-industriels, c’est juste qu’ils entendent différemment.
« Je fais plus attention aux sons de ma vie », dit-il. « Je pense que j’ai une hyperconscience de l’effet émotionnel du son. Quelque chose comme le grincement d’une porte moustiquaire peut avoir une résonance émotionnelle avec les gens. »
Alors, comment se fait cette saucisse sonore de film ?
« Sur un film d’action en direct, le travail principal est d’obtenir un jeu d’acteur clair, et merveilleux, et libre de tout ce qui l’entoure », dit Rydstrom. « Ainsi, sur Bridge of Spies, l’objectif de l’enregistrement sur le plateau était d’obtenir un Tom Hanks propre – vous ne voulez rien perdre de cette performance. » (Il convient de noter que Rydstrom est nommé à l’Oscar de la meilleure réalisation en mixage sonore pour son travail sur ce film). Cet audio en lui-même, cependant, est « presque antiseptique », intentionnellement dépourvu d’autant de bruit ambiant ou de fond que possible.
« Je fais plus attention aux sons de ma vie. Je pense que j’ai une hyperconscience de l’effet émotionnel du son. Quelque chose comme le grincement d’une porte moustiquaire peut avoir une résonance émotionnelle avec les gens. »
Il en va de même, à bien des égards, pour l’animation moderne – la capture des voix est essentielle. « Nous enregistrons les acteurs à environ trois ans de la sortie », dit Cichocki. « Et tous nos acteurs sont enregistrés avant que nous animions. Cela permet aux acteurs d’être libres et sans contrainte, de jouer vraiment. Nous enregistrons leur performance, qui est ensuite transmise aux animateurs pour qu’ils puissent ajouter ces éléments personnels. »
Il s’agit d’un virage à 180 degrés par rapport aux premiers films parlants, où les acteurs devaient pratiquer leur métier en tenant compte des limites et des capacités de la technologie d’enregistrement. Selon Motion Picture Sound Engineering, une compilation de conférences et d’articles publiée en 1938, les microphones et les systèmes d’enregistrement étaient « des robots qui captent tout ce qui se trouve dans leur rayon d’action et l’enregistrent du mieux qu’ils peuvent. Dans tous les cas, la direction du robot, la fourniture d’un cerveau pour le microphone, est dévolue à l’homme du son. »
Nuancé, il ne l’était pas. Cette scène de Singin’in the Rain – l’un des plus grands films de tous les temps, mais aussi un regard tranchant sur les défis logistiques d’Hollywood pendant la période de transition entre les films muets et les films parlants – montre à quel point il était difficile d’obtenir une bonne prise.
Donc, quelle est la suite ? Pour chaque expérience Atmos conçue pour vous donner la chair de poule – dans les cinémas, à la maison, même sur les appareils mobiles et en VR – il y a une renaissance tout aussi passionnante qui se produit dans le travail de projets ambitieux fous par des auteurs indépendants ; et ils utilisent un outil que vous avez dans votre poche en ce moment.
L’année dernière, le réalisateur Sean Baker a fait les gros titres avec son premier film à Sundance, Tangerine – les aventures de deux travailleurs du sexe transgenres à Los Angeles la veille de Noël – qui a été entièrement tourné sur un iPhone 5. Cette année, Matthew A. Cherry – un ancien receveur large de la NFL devenu cinéaste – présentera pour la première fois son deuxième long métrage, 9 Rides, au SXSW ; il est annoncé comme le premier à être entièrement tourné avec un iPhone 6S en 4k.
« Il y a une telle mystique autour de la réalisation de films », dit Cherry. « J’avais l’habitude de penser que chaque film était une affaire de plusieurs millions de dollars. Traditionnellement, l’équipement était toujours la partie la plus difficile à obtenir parce qu’il était si cher, mais de nos jours, tout le monde possède un iPhone. Il existe des applications qui vous permettent d’utiliser votre iPhone comme un pack de microphones. »
Cette démocratisation de la technologie, ainsi que les nombreuses plateformes en ligne omniprésentes pour partager le travail avec le monde, permet à ceux qui n’ont pas le soutien, financier ou autre, de voir leurs propres visions se réaliser.
« La plupart du temps, vous devez vous débrouiller tout seul », dit Cherry. « Mais pour chaque film comme un Tangerine, comme notre film, je pense que de plus en plus de gens vont commencer à le ramasser. »
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