Tout au long du 20e siècle, les créatifs à travers de nombreux mouvements, médiums et styles ont commencé à explorer la pratique de l’art du collage. L’approche inventive et innovante de l’art a attiré les artistes en raison de son esthétique unique et de son processus unique d’assemblage.
Débutant dans la période moderniste et se poursuivant dans le monde de l’art contemporain, la forme d’art du collage a subi une série de changements alors que de plus en plus d’artistes choisissent de l’explorer. Ici, nous examinons l’histoire avant-gardiste et l’évolution toujours changeante de cet artisanat, en accordant une attention particulière aux mouvements et aux artistes qui l’ont façonné.
Qu’est-ce que l’art du collage ?
Coincé par les artistes cubistes Braque et Picasso, le terme « collage » vient du mot français coller, ou « coller ». Le mouvement lui-même a émergé sous cette paire d’artistes, qui ont commencé à travailler avec divers médiums pour créer des assemblages d’avant-garde vers 1910.
Les collages peuvent être créés à partir d’une gamme de matériaux, bien que la plupart soient faits de papier ou de bois et comportent souvent des photographies découpées et collées, des formes peintes ou même des objets tridimensionnels. Comme de plus en plus d’artistes modernes ont commencé à explorer cette pratique tout au long du 20e siècle, ces supports sont devenus plus variés et de plus en plus expérimentaux.
Mouvements associés
Cubisme
Bien que le cubisme soit le plus souvent associé à la peinture, ses figures fondatrices, Georges Braque et Pablo Picasso, ont également créé des collages dans ce style. Défini par des formes fracturées et des sujets déconstruits, le cubisme se marie parfaitement avec l’approche du collage, car il permet aux artistes de littéralement reconstituer une image à partir de composants dissemblables. De plus, contrairement à la peinture, les collages ne risquaient pas de paraître plats. Ce fait, selon l’estimable critique d’art Clement Greenberg, a séduit des artistes comme Picasso et Braque, qui s’attachaient à évoquer la dimensionnalité dans leurs œuvres. « La platitude avait non seulement envahi mais menaçait de submerger le tableau cubiste », expliquait Greenberg dans un numéro d’Art et Culture de 1958.
En plus des découpages peints, le papier journal et le papier à motifs étaient souvent employés par les cubistes, comme en témoignent la Bouteille du Vieux Marc, le Verre, la Guitare et le Journal de Picasso et le Violon et la Pipe de Braque.
Picasso, ‘Bouteille de Vieux Marc, Verre, Guitare et Journal’ (1913)
Georges Braque, ‘Violon et pipe’ (1913)
Dada
Inspirés par les travaux avant-gardistes de Picasso et Braque, les artistes dadaïstes ont également commencé à expérimenter le collage dans les années 1920. Contrairement aux cubistes qui privilégiaient les arrangements de natures mortes, les dadaïstes ont créé des collages qui incorporaient un large éventail d’iconographie, des portraits réinterprétés aux figures ancrées dans le fantastique.
Les dadaïstes ont également incorporé de manière créative plus de matériaux dans leurs collages que leurs homologues cubistes. Les membres du mouvement sont particulièrement réputés pour leur utilisation innovante d’objets apparemment sans valeur ou souvent négligés, comme des billets, des coupures de magazines, des emballages de bonbons et même des bibelots en trois dimensions. En transformant des objets éphémères en pièces polies, les dadaïstes ont remis en question les perceptions traditionnelles de l’art.
Francis Picabia, ‘Tableau Rastadada’ (1920)
Kurt Schwitters, Merz Picture 46 A. The Skittle Picture (1921)
Hannah Höch, ‘Flight’ (1931)
Surréalisme
Dans la foulée de Dada, les surréalistes ont adopté et adapté cette technique du copier-coller. Tout comme leur approche « automatique » de la peinture, ces artistes se sont appuyés sur le subconscient pour produire des assemblages uniques faits de photographies, d’illustrations, de papier coloré et de peinture.
Abandonnant l’accent mis par les cubistes sur la nature morte, ils ont embrassé et élargi le mouvement des dadaïstes vers des sujets étranges pour créer des pièces évocatrices d’un rêve. Cette orientation est exceptionnellement évidente dans le travail de Joseph Cornell et d’André Breton, qui ont tous deux utilisé cette méthode comme moyen d’évoquer des scènes cohérentes mais entièrement inventées.
Joseph Cornell, ‘Sans titre (Fantaisie céleste avec Tamara Toumanova)’ (1940)
André Breton, ‘Œuf dans l’église ou Le serpent’ (Date inconnue)
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