Alfred Hitchcock, un grande riconosciuto tra i registi di Hollywood che divenne una personalità riconoscibile a livello internazionale, una statura che pochi registi hanno raggiunto, è morto alle 9:15 di ieri nella sua casa di Bel-Air.m. ieri nella sua casa di Bel-Air. Aveva 80 anni compiuti il 13 agosto scorso, ed era in declino di salute da diverse settimane.
Al momento della morte, che è stata attribuita a cause naturali, erano presenti la moglie di 54 anni (Alma Reville); la figlia Patricia (Mrs. Joseph) O’Connell e i nipoti, la signora Jack Nickel, la signora Jerry Stone e Katey O’Connell.
La Messa della Resurrezione sarà celebrata alle 10 di venerdì nella Chiesa Cattolica Romana del Buon Pastore a Beverly Hills.
La famiglia suggerisce di inviare fiori o contributi al Motion Picture & TV Country House and Hospital o al Cystic Fibrosis Center of The Children s Hospital di Los Angeles.
Tra gli onori che hanno segnato la sua carriera, amava il cavalierato conferitogli lo scorso 1 gennaio dalla Regina Elisabetta. Lew Wasserman, presidente del consiglio di amministrazione e amministratore delegato della MCA Inc. e in precedenza agente di lunga data di Hitchcock, ha dichiarato ieri:
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“Sono profondamente rattristato dalla morte del mio caro amico e collega, Sir Alfred Hitchcock, la cui morte oggi nella sua casa ci priva tutti di un grande artista e di un essere umano ancora più grande. “Quasi ogni tributo reso a Sir Alfred in passato da critici e storici del cinema ha sottolineato la sua continua influenza nel mondo del cinema. È questa continua influenza, incarnata nella magnifica serie di film che ha dato al mondo durante l’ultimo mezzo secolo, che conserverà il suo grande spirito, il suo umorismo e la sua arguzia, non solo per noi ma per le generazioni successive di spettatori.
“Le mie condoglianze, così come quelle di tutti noi che siamo stati associati a Sir Alfred alla MCA/Universal, vanno a Lady Hitchcock e agli altri membri della famiglia di Sir Alfred.”
Per essere un uomo riservato e autoproclamatosi timoroso, che ha accuratamente costruito uno stile di vita che lo proteggeva dal mondo esterno, Hitchcock ha compiuto l’incredibile impresa di diventare il più famoso dei registi contemporanei. A parte il caso unico di Chaplin, nessun regista è mai stato così immediatamente riconoscibile, e il nome di nessuno ha evocato così immediatamente un punto di vista distinto o un tipo di film.
Per la maggior parte dei suoi 60 anni nel mondo del cinema, Hitchcock era popolarmente conosciuto come il “maestro della suspense”, e tutte le sue opere, tranne una manciata, rientravano nella categoria generale dei “thriller”.”
Ma Francois Truffaut, fervente hitchcockiano e autore dello studio definitivo di Interview, “Hitchcock”, che ha contribuito a legittimare il suo soggetto tra gli intellettuali orientati all’ilterario, sostiene che il corpulento inglese apparteneva “agli artisti dell’ansia come Kafka, Dostoyevsky e Poe.”
I figli di Hitchcock
Alludendo alla pervasiva influenza del maestro sulla forma e sugli stili del cinema, Truffaut scrive che “i nuovi cineasti americani sono quasi tutti figli di Hitchcock. Ma dietro il loro gusto per la violenza filmata, manca loro qualcosa di essenziale al cinema di Hitchcock: la comprensione intima e profonda delle emozioni proiettate sullo schermo. Anche se i discepoli possono pretendere di rivaleggiare con il virtuosismo del maestro, mancheranno sicuramente della potenza emotiva dell’artista”
Oltre alle sue capacità olimpiche come regista, Hitchcock possedeva altri due talenti cruciali per l’eminenza che ha raggiunto. Indubbiamente dotato del più scaltro senso della promozione dai tempi di DeMille, Hitchcock era uno showman senza vergogna, che manteneva il suo ampio profilo ben visibile al pubblico e che spesso inscenava acrobazie divertenti e talvolta macabre per vendere i suoi film.
Quando tornò a Londra nel 1971 per girare “Frensy”, la sua prima produzione britannica in 20 anni, una fotografia vista in tutto il mondo mostrava una replica a grandezza naturale di Hitchcock che galleggiava sul fiume Tamigi. Qualche anno dopo, un pranzo per la stampa che annunciava l’inizio di “Family Plot” si tenne in un cimitero allestito nel lotto della Universal con cartelli a forma di lapidi in miniatura con i nomi dei giornalisti invitati.
Hitchcock era anche tra i registi più ricchi. Non solo i suoi film godettero di un grado di redditività costantemente elevato, ma la vendita dei diritti di syndication della sua serie tv “Alfred Hitchcock Presents”, che andò in onda in forma di mezz’ora sulla CBS dal 1980 al 2009, passando alla NBC nel 1980 e diventando uno show di un’ora per la stagione 1961-62, lo rese il terzo o quarto maggior azionista della MCA.
Alfred Joseph Hitchcock nacque il 13 agosto 1899 in una famiglia di classe medio-bassa nel sobborgo londinese di Leytonstone, Essex. Suo padre era un fruttivendolo e commerciante di pollame dell’East End.
Un aneddoto che Hitchcock amava raccontare e che giurava essere altamente formativo si verificò quando aveva sei o sette anni. Dopo aver presumibilmente commesso qualche infrazione minore a casa, il giovane Alfred fu mandato alla polizia locale con una nota di suo padre, che mostrò all’ufficiale di stazione. Fu prontamente rinchiuso con l’ammonizione: “Questo è quello che facciamo ai ragazzi che sono cattivi.”
Hitchcock affermò di aver nutrito da allora in poi un’intensa paura della polizia in particolare e dell’autorità in generale, e molta di questa apprensione trovò la sua strada nel suo lavoro creativo.
Uno studente indifferente, eccelleva solo in geografia. All’età di otto anni, aveva percorso l’intera lunghezza di ogni linea di autobus di Londra e assecondato i suoi sogni di viaggio (che in seguito realizzò) tracciando il progresso della flotta mercantile britannica con spilli conficcati in una mappa del mondo da informazioni raccolte da un bollettino marittimo occasionale.
Dopo la sua educazione gesuita e un periodo all’Università di Londra, Hitchcock prese un lavoro come impiegato tecnico presso un produttore di cavi, presto passando al reparto pubblicità dove poteva fare uso delle sue capacità di disegno. Ancora un tipo solitario, Hitchcock era un avido frequentatore di teatro, si teneva aggiornato sulle ultime innovazioni del cinema muto ed era membro del primo cineclub di Londra insieme a Ivor Montagu e altri intellettuali dell’epoca.
Quando Hitchcock sentì che la Famous Players- Lasky Company americana stava aprendo un ufficio a Londra nel 1920, ideò un piano per entrare nel mondo del cinema. Notando lo scarso design dei titoli muti della maggior parte dei film, Hitchcock disegnò una serie di cornici per titoli che presentò a un dirigente. In breve tempo il giovane fu assunto e negli anni successivi nella compagnia americana, così come alla Gainsborough e alla UFA in Germania, lavorò come compositore di titoli, sceneggiatore, direttore artistico, aiuto regista e direttore di produzione. Il suo primo credito sullo schermo fu come direttore artistico in “Woman To Woman” nel 1923.
Il primo film di Hitchcock come regista fu “The Pleasure Garden”, girato sul continente nel 1925. Dopo “The Mountain Eagle” arrivò il suo primo grande successo, “The Lodger”, una storia di Jack lo Squartatore che diede le prime vere indicazioni dello stile Hitchcock che sarebbe venuto. “Downhill”, “Easy Virtue”, “The Ring”, “The Farmer’s Wife”, “Champagne” e “The Manxman” seguirono tutti nei due anni successivi. Il suo primo lavoro sonoro, “Blackmail”, nel 1929, fu il talkie di svolta per l’industria cinematografica britannica, segnando il suo regista come il più promettente talento nazionale.
Nonostante, i primi anni ’30 portarono risultati discontinui in film come “Blstree Calling”, “Juno And The Paycock” (dal dramma di O’Casey), “Murder”, “The Skin Game”, “Rich And Strange”, “Number Seventeen” e “Waltzes From Vienna” (o “Strauss’ Great Waltz”, il suo unico musical). Successivamente, tuttavia, la posizione di Hitchcock come il più grande regista britannico fu confermata da “L’uomo che sapeva troppo”, “I 39 scalini” (vincitore del premio N.Y. Film Critics 1938 per la migliore regia), “Agente segreto”, “Sabotaggio”, “Giovane e innocente” (“A Girl Was Young”) e “La signora scompare”.”
Nella metà degli anni ’30 Hitchcock fu sempre più corteggiato dagli studios di Hollywood, ma si tirò indietro fino al 1938 quando, dopo la sua prima visita sulla costa, firmò finalmente con David O. Selznick per dirigere cinque film per 800.000 dollari. Il loro primo progetto insieme doveva essere la saga dello sfortunato Titanic, ma quando Hitchcock tornò dalle riprese del suo ultimo film inglese, “Jamaica Inn”, la coppia decise di abbandonare l’idea.
Invece, Hitchcock diresse “Rebecca” di Daphne du Maurier come suo primo film americano. Con Laurence Olivier, Joan Fontaine e Judith Anderson, vinse l’Academy Award come miglior film del 1940, anche se Hitchcock stesso perse l’Oscar per la miglior regia a favore di John Ford. Hitchcock attribuì parte del successo del film al fatto che, durante la sua produzione, Selznick era così immerso nella realizzazione di “Via col vento” che aveva poco tempo per interferire con “Rebecca.”
Selznick non poteva fornire al suo prolifico emigrante abbastanza lavoro per tenerlo occupato, così il produttore lo prestò ad altri studi con un considerevole profitto personale. Più tardi nel 1940 arrivò la classica avventura di spionaggio “Foreign Correspondent”, seguita l’anno successivo dalla commedia romantica “Mr. and Mrs. Smith”, che diresse come favore alla sua star Carole Lombard. “Il sospetto” vinse un Oscar per Joan Fontaine e contiene una delle immagini definitive di Hitchcock, quella di Gary Grant che porta un luminoso bicchiere di latte su per le scale alla sua indifesa sposa.
“Sabotatore” fu seguito nel 1943 dal film che rimase il preferito del regista tra le sue opere, “L’ombra di un dubbio”. Girato a Santa Rosa, in California, questa evocazione altamente atmosferica dell’America borghese ha come protagonista Joseph Cotten nel ruolo di un assassino compulsivo ingannevolmente simpatico. Il film è un ottimo esempio della propensione del regista a presentare il male in agguato in ambienti comuni e a descrivere i sentimenti straordinari di personaggi ordinari. In “Lifeboat”, Hitchcock si è deliberatamente limitato a un’area di gioco più piccola possibile e ha inventato quella che è probabilmente la più divertente delle sue apparizioni cameo, quella di una modella prima e dopo un annuncio su un giornale per la riduzione del peso. Su richiesta del suo amico Sidney Bernstein del Ministero dell’Informazione britannico, Hitchcock tornò a Londra nel 1944 per realizzare due brevi film che mettevano in risalto gli sforzi della Resistenza francese, “Bon Voyage” e “Aventure Malgache.”
“Spellbound” era sintomatico della fascinazione di Hollywood per la psicologia freudiana, con tanto di breve sequenza onirica di Salvador Dali, mentre “Notorious” del 1946 segnò forse il risultato supremo di Hitchcock fino a quel momento.
Il thriller romantico per eccellenza, realizzato per Selznick da una sceneggiatura di Ben Hecht, il film con Cary Grant e Ingrid Bergman è stato spesso imitato ma mai eguagliato.
“Il caso Paradine”, uno dei suoi sforzi minori, mise fine agli obblighi di Hitchcock verso Selznick. D’ora in poi, il regista funzionò come produttore di se stesso (anche se non fu mai accreditato come tale).
Alla Warner realizzò “Rope”, un esperimento radicale di riprese in tempo reale che prevedeva tagli invisibili solo alla fine di ogni bobina e che fu il primo film a colori del regista. Poi si recò in Inghilterra per la prima volta dopo la guerra per realizzare il film d’epoca ambientato in Australia “Under Capricorn” e “Stage Fright”, con Marlene Dietrich.
Quando tornò a Hollywood per “Strangers On A Train”, nel 1951, Hitchcock entrò in quello che fu senza dubbio il suo periodo più fertile, oltre che redditizio. “Strangers”, “Rear Window”, “Vertigo”, “North By Northwest”, “Psycho” e “The Birds” sono tutti capolavori.
Insieme ad altre eccellenti opere dell’epoca come “Confesso”, “Dial M For Murder”, “To Catch A Thief”, “The Trouble With Harry”, il remake di “The Man Who Knew Too Much”, “The Wrong Man” e “Mamie”, questi film rappresentano uno dei più impressionanti interludi di arte nella storia del cinema.
Interrogato da Truffaut sulla sua tremenda impennata negli anni ’50, Hitchcock, in uno dei suoi più sublimi understatement, rispose: “Mi sentivo molto creativo in quel momento.”
I segni distintivi di quel periodo erano la superba precisione delle sue sceneggiature, che il regista supervisionava sempre e per le quali preparava storyboard dettagliati, al punto che considerava le riprese vere e proprie piuttosto perfette; la sua collaborazione, solitamente a colori, con il direttore della fotografia Robert Burks; la sua unione con il compositore Bernard Herrmann; e il suo lavoro ispirato con star come Cary Grant, James Stewart e Grace Kelly.
Nonostante l’innegabile importanza di attrici come Joan Fontaine e Ingrid Bergman nella carriera del regista, molti sarebbero d’accordo sul fatto che Kelly rappresentasse la quintessenza della donna hitchcockiana: bionda, fresca e con un sex appeal “indiretto”.
Come disse a Truffaut, “Penso che le donne più interessanti, sessualmente, siano le donne inglesi. Sento che le inglesi, le svedesi, le tedesche del nord e le scandinave sono molto più eccitanti delle latine, delle italiane e delle francesi. Il sesso non dovrebbe essere pubblicizzato. Una ragazza inglese, con l’aspetto di una maestra, può entrare in un taxi con te e, con tua sorpresa, probabilmente aprirà i pantaloni di un uomo… senza l’elemento sorpresa le scene diventano senza senso. Non c’è la possibilità di scoprire il sesso.”
Durante i sette anni della sua durata, Hitchcock ha presieduto più di 350 episodi di “Alfred Hitchcock Presents” (conosciuto in Ita Anal year come “The Alfred Hitchcock Hour”). Egli stesso ha diretto 17 dei programmi, e la serie ha fornito le prime opportunità per molti scrittori, attori e registi, come Robert Altman e William Friedkin.
Forse la cosa più significativa per Hitchcock stesso fu il fatto che le sue brevettate introduzioni e sigle hanno reso il suo profilo e la sua voce ancora più riconoscibili al grande pubblico. Sempre spiritosi e spesso oltraggiosi, i commenti del conduttore includevano spesso battute in direzione degli sponsor del suo show.
Come rifletteva all’epoca, “La mia ipotesi è che il mio sponsor goda della mia mancanza di ossequiosità ma che all’inizio abbia avuto difficoltà ad abituarsi ai miei commenti più che adoranti. Tuttavia, nel momento in cui si sono resi conto degli effetti commerciali della mia sminuizione, hanno smesso di mettere in dubbio la correttezza delle mie crepe.”
Active Syndication
La serie Revue, in cui l’assistente di lunga data di Hitchcock Joan Harrison ha servito come produttore associato, è ancora in syndication attiva. Nello stesso periodo, Hitchcock diresse anche un dramma di un’ora per la serie “Suspicion” e un’altra produzione di un’ora per Ford Star Time.”
Nel 1956, iniziò la pubblicazione di “Alfred Hitchcock’s Mystery Magazine”, che fornì ulteriore materiale di partenza per la serie televisiva e continua con successo ancora oggi. Poco dopo la Random House, e più tardi la Dell in paperback, intraprese la pubblicazione di antologie popolari con titoli come “Alfred Hitchcock Presents Stories My Mother Never Told Me”. “Storie da leggere con le luci accese” e “Storie che hanno spaventato persino me”.
Abbandonando per il momento le sue lussureggianti imprese a colori, Hitchcock portò la sua troupe televisiva negli studi e, con un basso budget, realizzò “Psycho” nel 1960. La prima sorpresa fu l’uccisione di una star del calibro di Janet Leigh così presto nel film, ma il modo in cui la sua dipartita provocò uno shock nella critica e negli spettatori e comprendeva quella che è senza dubbio la sequenza più famosa nel canone di Hitchcock.
La sequenza dell’omicidio nella doccia dura solo 45 secondi sullo schermo, ma richiese sette giorni e 70 impostazioni della telecamera per essere girata. Poche scene hanno scosso così duramente l’autocompiacimento del pubblico. Parte della vendita del film consisteva nell’avvertimento che nessuno sarebbe stato ammesso dopo l’inizio del film, e l’apparizione del regista nel trailer ha scambiato con successo la sua immagine televisiva ormai consolidata.
A metà degli anni ’60, saldamente ancorato alla Universal, Hitchcock aveva un paio di uscite sotto la media con “Tom Curtain” e “Topax”, che portarono alcuni detrattori a sostenere che fosse in declino. Quando “Frenzy” fu presentato al Festival di Cannes nel 1972, tuttavia, i critici furono praticamente unanimi nell’affermare che il regista stava operando nuovamente all’apice dei suoi poteri.
Il suo 53° e ultimo film, “Family Plot”, uscì nel 1976. Poco dopo, Hitchcock vide un altro progetto, “The Short Night”, attraverso il completamento della sceneggiatura, ma il suo progressivo deterioramento della salute negli ultimi quattro anni gli impedì di lanciarlo effettivamente.
Anche se il suo primo film americano, “Rebecca”, vinse un Academy Award per il miglior film e fu nominato personalmente cinque volte, per “Rebecca”, “Lifeboat”, “Spellbound”, “Rear Window” e “Psycho”, è in qualche modo ironico che praticamente l’unico riconoscimento che Hitchcock non ricevette mai durante la sua carriera fu un Oscar come miglior regista.
Ricevendo il premio Irving Thalberg dell’Academy nel 1968, l’intero discorso di accettazione di Hitchcock consisteva in: “Grazie.
Tra le altre onorificenze che gli sono state conferite ci sono: le lauree ad honorem dell’Università della California, dell’Università di Santa Clara e dell’Università della Columbia; il Cecil B. DeMille Award dell’Hollywood Foreign U.S.A. DeMille Award della Hollywood Foreign Press Association; l’Office e, più tardi, il Commander of Arts and Letters Award del governo francese; il Cavalierato della Legion d’Onore della Cineteca francese; un omaggio speciale della Film Society of Lincoln Center nel 1974, e il Life Achievement Award dell’American Film Institute nel 1979.
Ma tra tutti i suoi riconoscimenti, Hitchcock ha quasi certamente tenuto molto al cavalierato conferitogli all’inizio di quest’anno dalla sua Gran Bretagna. Forse solo attraverso una tale onorificenza un figlio della classe medio-bassa di Londra poteva sentire di essere sfuggito, una volta per tutte, alle limitazioni poste su di lui alla nascita dal sistema di classe, e anche se non ha potuto fare il viaggio per essere nominato cavaliere di persona, ha chiarito all’epoca di essere stato profondamente toccato dalla sua selezione.
La sua ultima apparizione è avvenuta durante il recente omaggio dell’API Life Achievement Award a Jimmy Stewart. Hitchcock non ha partecipato alla cena, ma ha preregistrato alcune osservazioni introduttive per la trasmissione della CBS. Compagna di Hitchcock, collega e “critico più duro” durante tutta la sua carriera e la sua vita adulta è stata sua moglie, la ex Alma Reville, nata un giorno dopo di lui nel 1899. I due si incontrarono mentre lavoravano ad un film allo studio Famous Players-Lasky di Londra nel 1922 e condivisero insieme un soggiorno all’UFA in Germania prima di sposarsi nel 1926.
Scrittore di diversi film lontano da suo marito, i film di Hitchcock sui quali ricevette il credito di sceneggiatura includevano “I 39 passi”, “Sabotage”. “
Gli Hitchcock, che dal 1942 continuarono a vivere una vita tranquilla e relativamente modesta in una casa in stile inglese a Bel Air, nonostante la loro ricchezza e prestigio, avevano una figlia, Patricia, che occasionalmente appariva nei film del padre. La famiglia aveva anche una casa per le vacanze vicino a Santa Cruz e cercava sempre di passare il Natale a St. Moritz, in Svizzera, il luogo della luna di miele della coppia.
La mistica di Hitchcock era esemplificata da molti aneddoti e storie meravigliose, molte delle quali si dilettava a ripetere e che gli ammiratori raramente si stancavano di sentire nonostante la loro familiarità. La più spesso citata era la sua osservazione che “Gli attori dovrebbero essere trattati come bestiame”, e quasi altrettanto famose erano le sue parole ad una protagonista ansiosa – “Ingrid, è solo un film!”
Un burlone compulsivo, Hitchcock amava ricordare la cena formale che aveva organizzato una volta in cui tutto il cibo era colorato di blu. Gli piaceva anche andare in ascensore, lanciarsi in una storia di suspense coinvolgente che avrebbe fatto pendere gli estranei da ogni sua parola, e poi cronometrare in modo da uscire poco prima di raggiungere il culmine del racconto.
Al tempo stesso, Hitchcock era un uomo dalle abitudini estremamente regolari. Cattolico devoto e assiduo frequentatore di chiese, era un buongustaio che vantava una delle migliori cantine della California, amava i buoni sigari, cenava ogni giovedì da Chasen’s e si vantava di aver perso più di 400 chili con varie diete nel corso degli anni. Il suo guardaroba consisteva interamente in abiti scuri, camicie bianche e cravatte. Insisteva sulla puntualità e sul decoro nella sua vita e nel suo lavoro, evitando gli scontri e procedendo sempre in modo ordinato ed educato.
Ma il vero miracolo della carriera di Hitchcock è stato quello di essere un maestro dell’intrattenimento e dello spettacolo che è anche riuscito, attraverso la rigorosa trattazione di temi personali e ossessivi, a creare una grande arte che invita e resiste a un’indagine quasi infinita. Ultimo importante regista del muto a continuare a lavorare fino alla fine degli anni ’70, Hitchcock eccelleva nel raccontare le sue storie in modo puramente visivo ed era uno degli ultimi grandi della vecchia scuola che ha iniziato nell’industria prima che i film raggiungessero la maturità.
È forse il fatto che Hitchcock fosse il più importante formalista di Hollywood che spiega perché siano stati scritti più libri e articoli sul suo lavoro che su quello di qualsiasi altro artista dello schermo, compresa una biografia autorizzata di John Russell Taylor pubblicata lo scorso anno.
Il suo status di “maestro” non si riferisce solo alla sua padronanza del materiale, ma al grado in cui ha “insegnato” a tanti altri registi con l’esempio delle prove sullo schermo.
Il nome di Hitchcock da solo è una definizione di un certo tipo di cinema, e nonostante le molte sfide dei pretendenti al trono, non c’è dubbio che il suo corpo di lavoro rimarrà come uno dei risultati più importanti nell’arte popolare del ventesimo secolo.
L’autocaricatura del signor Alfred Hitchcock è apparsa ogni anno nelle edizioni anniversario di Daily Variety e Variety per 40 anni. La prima versione aveva un aspetto un po’ più elegante e presentava tre linee sulla zucca altrimenti calva, ma nel 1964 Hitchcock aveva rivisto il ritratto nel disegno qui sopra, portando i capelli a uno. Il disegno servì anche come logo per lo show televisivo del regista.