Alfred Hitchcock, un grand reconnu parmi les cinéastes d’Hollywood qui est devenu une personnalité internationalement reconnaissable, une stature que peu de réalisateurs ont atteinte, est décédé à 9h15.m. hier à son domicile de Bel-Air. Il avait 80 ans le 13 août dernier et sa santé déclinait depuis plusieurs semaines.
Présents au moment du décès, qui a été attribué à des causes naturelles, son épouse depuis 54 ans (Alma Reville), sa fille Patricia (Mme. Joseph) O’Connell et les petits-enfants, Mme Jack Nickel, Mme Jerry Stone et Katey O’Connell.
Une messe de la résurrection sera dite à 10 heures vendredi en l’église catholique romaine du Bon Pasteur à Beverly Hills.
La famille suggère que des fleurs ou des contributions soient envoyées à la Motion Picture & TV Country House and Hospital ou au Cystic Fibrosis Center of The Children s Hospital à Los Angeles.
Parmi les honneurs qui ont marqué sa carrière, il chérit le titre de chevalier décerné le 1er janvier dernier par la reine Elizabeth. Lew Wasserman, président du conseil d’administration et directeur général de MCA Inc. et auparavant agent de longue date de Hitchcock, a déclaré hier :
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« Je suis profondément attristé par la mort de mon ami proche et collègue, Sir Alfred Hitchcock, dont le décès aujourd’hui à son domicile nous prive tous d’un grand artiste et d’un être humain encore plus grand. « Presque tous les hommages rendus à Sir Alfred dans le passé par les critiques et les historiens du cinéma ont souligné son influence continue dans le monde du cinéma. C’est cette influence continue, incarnée dans la magnifique série de films qu’il a donnée au monde, au cours du dernier demi-siècle, qui préservera son grand esprit, son humour et son esprit, non seulement pour nous mais pour les générations successives de cinéphiles.
« Mes condoléances, ainsi que celles de tous ceux d’entre nous qui ont été associés à Sir Alfred chez MCA/Universal, vont à Lady Hitchcock et aux autres membres de la famille de Sir Alfred. »
Pour un homme privé et qui s’autoproclamait craintif et qui a soigneusement façonné un style de vie qui le mettait à l’abri du monde extérieur, Hitchcock a accompli l’incroyable exploit de devenir le plus célèbre des réalisateurs contemporains. Mis à part le cas unique de Chaplin, aucun réalisateur n’a jamais été aussi instantanément reconnaissable, et le nom d’aucun d’entre eux n’évoque aussi immédiatement un point de vue ou un type de film distinct.
Pendant la majeure partie de ses 60 ans de carrière dans le cinéma, Hitchcock était populairement connu comme le « maître du suspense », et toutes ses œuvres, sauf une poignée, entraient effectivement dans la catégorie générale des « thrillers ». »
Mais François Truffaut, fervent hitchcockien et auteur de l’étude définitive d’Interview, « Hitchcock », qui a contribué à légitimer son sujet parmi les intellectuels orientés vers le littérature, soutient que l’Anglais corpulent appartenait « aux artistes de l’angoisse comme Kafka, Dostoïevski et Poe.
Les enfants d’Hitchcock
En allusion à l’influence omniprésente du maître sur la forme et les styles de cinéma, Truffaut écrit que « les nouveaux cinéastes américains sont presque tous des enfants d’Hitchcock ». Mais derrière leur goût pour la violence filmée, il leur manque quelque chose d’essentiel au cinéma d’Hitchcock : la compréhension intime et profonde des émotions projetées sur l’écran… ». Même si les disciples peuvent prétendre rivaliser avec la virtuosité du maestro, il leur manquera sûrement la puissance émotionnelle de l’artiste. »
En plus de ses compétences olympiennes de cinéaste, Hitchcock possédait deux autres talents cruciaux pour l’éminence qu’il a atteinte. Sans doute doté du plus fin sens de la promotion depuis DeMille, Hitchcock était un showman sans vergogne qui gardait son ample profil très visible pour le public et qui mettait souvent en scène des cascades amusantes et parfois macabres pour colporter ses images.
Lorsqu’il est retourné à Londres en 1971 pour tourner « Frensy », sa première production britannique en 20 ans, une photographie vue dans le monde entier montrait une réplique grandeur nature d’Hitchcock flottant sur la Tamise. Quelques années plus tard, un déjeuner de presse annonçant le début de « Family Plot » a été organisé sur un cimetière installé sur le terrain d’Universal, avec des cartons de table en forme de pierres tombales miniatures portant les noms des journalistes invités.
Hitchcock était également parmi les réalisateurs les plus riches. Non seulement ses films bénéficiaient d’une rentabilité élevée et constante, mais la vente des droits de syndication de sa série télévisée « Alfred Hitchcock Presents », qui a été diffusée en demi-heure sur CBS de 1980 à 2009, avant de passer sur NBC en 1980 et de devenir une émission d’une heure pour la saison 1961-1962, a fait de lui le troisième ou quatrième plus gros actionnaire de MCA.
Alfred Joseph Hitchcock est né le 13 août 1899 dans une famille de classe moyenne inférieure de la banlieue londonienne de Leytonstone, dans l’Essex. Son père était un marchand de légumes et de volailles de l’East End.
Une anecdote que Hitchcock aimait raconter et qu’il jurait avoir été très formatrice s’est produite lorsqu’il avait six ou sept ans. Après avoir vraisemblablement commis une infraction mineure à la maison, le jeune Alfred a été envoyé à la gendarmerie locale avec une note de son père, qu’il a montrée à l’officier du poste. Il fut rapidement enfermé avec l’avertissement suivant : » C’est ce que nous faisons aux garçons qui sont vilains « .
Hitchcock prétendit avoir désormais nourri une peur intense de la police en particulier et de l’autorité en général, et une grande partie de cette appréhension se retrouva dans son travail créatif.
Élève indifférent, il n’excellait qu’en géographie. À l’âge de huit ans, il avait parcouru toutes les lignes d’autobus de Londres et assouvissait ses rêves de voyage (qu’il réalisa plus tard) en suivant la progression de la flotte marchande britannique à l’aide d’épingles plantées dans une carte du monde à partir d’informations recueillies dans un bulletin d’expédition improvisé.
Après son éducation jésuite et un passage à l’université de Londres, Hitchcock prit un emploi de commis technique chez un fabricant de câbles, passant bientôt au département de la publicité où il put mettre à profit ses talents de dessinateur. Toujours de type solitaire, Hitchcock fréquente assidûment les théâtres, se tient au courant des dernières innovations du cinéma muet et est membre du premier ciné-club de Londres avec Ivor Montagu et d’autres intellectuels de l’époque.
Lorsque Hitchcock apprend que la société américaine Famous Players- Lasky ouvre un bureau à Londres en 1920, il conçoit un plan pour entrer dans le domaine du cinéma. Constatant le design terne des titres muets de la plupart des films, Hitchcock dessine une série de titres qu’il présente à un cadre. Le jeune homme est rapidement engagé et, au cours des années suivantes, il travaille pour la société américaine, ainsi que pour Gainsborough et UFA en Allemagne, en tant que compositeur de titres, scénariste, directeur artistique, assistant réalisateur et directeur de production. Son premier crédit à l’écran est celui de directeur artistique sur « Woman To Woman » en 1923.
Le premier film de Hitchcock en tant que réalisateur est « The Pleasure Garden », tourné sur le continent en 1925. Après « L’Aigle de la montagne » vient son premier grand succès, « The Lodger », une histoire de Jack l’Éventreur qui donne les premières indications réelles du style Hitchcock à venir. « Downhill », « Easy Virtue », « The Ring », « The Farmer’s Wife », « Champagne » et « The Manxman » ont suivi au cours des deux années suivantes. Sa première œuvre sonore, « Blackmail », en 1929, a été le talkie breakthrough de l’industrie cinématographique britannique, marquant son réalisateur comme le talent national le plus prometteur.
Néanmoins, le début des années 1930 apporte des résultats inégaux dans des films comme « Blstree Calling », « Juno And The Paycock » (d’après la pièce de O’Casey), « Murder », « The Skin Game », « Rich And Strange », « Number Seventeen » et « Waltzes From Vienna » (ou « La grande valse de Strauss », sa seule comédie musicale). Par la suite, cependant, la position d’Hitchcock comme le plus grand réalisateur britannique sera successivement confirmée par « L’homme qui en savait trop », « Les 39 marches » (lauréat du prix de la critique cinématographique de N.Y. 1938 pour la meilleure réalisation), « Agent secret », « Sabotage », « Jeune et innocent » (« Une fille était jeune ») et « La dame disparaît. »
De plus en plus, au milieu des années 30, Hitchcock est courtisé par les studios d’Hollywood, mais il se dérobe jusqu’en 1938 où, après sa première visite sur la côte, il signe enfin avec David O. Selznick pour réaliser cinq films pour 800 000 dollars. Leur premier projet ensemble aurait dû être la saga de l’infortuné Titanic, mais au moment où Hitchcock revient du tournage de son dernier film anglais, « Jamaica Inn », le couple décide d’abandonner l’idée.
A la place, Hitchcock réalise « Rebecca » de Daphne du Maurier comme son premier film américain. Avec Laurence Olivier, Joan Fontaine et Judith Anderson, le film remporte l’Oscar du meilleur film de 1940, mais Hitchcock perd l’Oscar de la meilleure réalisation au profit de John Ford. Hitchcock attribue une partie du succès du film au fait que, pendant sa production, Selznick était tellement plongé dans la réalisation d' »Autant en emporte le vent » qu’il n’avait guère le temps d’intervenir sur « Rebecca ».
Selznick ne pouvait pas fournir à son prolifique émigré suffisamment de travail pour le tenir occupé, aussi le producteur le prêtait-il à d’autres studios à un profit personnel considérable. Plus tard, en 1940, il réalise le classique film d’espionnage « Foreign Correspondent », suivi l’année suivante par la comédie romantique « Mr. And Mrs. Smith », qu’il réalise pour rendre service à sa vedette Carole Lombard. « Suspicion » a remporté un Oscar pour Joan Fontaine et contient l’une des images définitives d’Hitchcock, celle de Gary Grant portant un verre de lait lumineux dans les escaliers jusqu’à sa fiancée sans défense.
« Saboteur » a été suivi en 1943 par le film qui est resté le préféré du réalisateur parmi ses propres œuvres, « Shadow Of A Doubt ». Tournée à Santa Rosa, en Californie, cette évocation très atmosphérique de la classe moyenne américaine met en scène Joseph Cotten dans le rôle d’un meurtrier compulsif faussement sympathique. Le film est un excellent exemple du penchant du réalisateur à présenter le mal qui se cache dans des décors banals et à décrire les sentiments extraordinaires de personnages ordinaires. Dans « Lifeboat », Hitchcock s’est délibérément limité à la plus petite surface de jeu possible et a inventé ce qui est probablement la plus amusante de ses apparitions camées, celle d’un mannequin avant-après dans une publicité pour un journal de régime. À la demande de son ami, Sidney Bernstein, du ministère britannique de l’Information, Hitchcock retourne à Londres en 1944 pour réaliser deux courts métrages soulignant les efforts de la Résistance française, « Bon Voyage » et « Aventure Malgache ».
« Spellbound » était symptomatique de la fascination d’Hollywood pour la psychologie freudienne, complété par une brève séquence de rêve de Salvador Dali, tandis que « Notorious » en 1946 marquait peut-être la réalisation suprême d’Hitchcock jusqu’alors.
Le thriller romantique ultime, réalisé pour Selznick à partir d’un scénario de Ben Hecht, le film vedette Cary Grant-Ingrid Bergman a souvent été imité mais jamais égalé.
« L’Affaire Paradine », l’un de ses moindres efforts, met fin aux obligations d’Hitchcock envers Selznick. Désormais, le réalisateur fonctionne comme son propre producteur (bien qu’il ne soit jamais crédité à l’écran en tant que tel).
A la Warner, il réalise « Rope », une expérience radicale de tournage en temps réel qui ne comporte des coupures invisibles qu’à la fin de chaque bobine et qui est le premier film en couleur du réalisateur. Il se rend ensuite en Angleterre pour la première fois depuis la guerre pour réaliser la pièce d’époque au décor australien « Under Capricorn », et « Stage Fright », avec Marlene Dietrich.
A son retour à Hollywood pour « Strangers On A Train », en 1951, Hitchcock entre dans ce qui fut incontestablement sa période la plus fertile, ainsi que la plus rentable. « Strangers », « Rear Window », « Vertigo », « North By Northwest », « Psycho » et « The Birds » s’imposent comme des chefs-d’œuvre.
Avec d’autres excellentes œuvres de l’époque comme « J’avoue », « Dial M For Murder », « To Catch A Thief », « The Trouble With Harry », le remake de « The Man Who Knew Too Much », « The Wrong Man » et « Mamie », ces films représentent l’un des interludes artistiques les plus impressionnants et les plus soutenus de l’histoire du cinéma.
Interrogé par Truffaut sur sa formidable poussée Dans les années 1950, Hitchcock, dans l’une de ses plus sublimes litotes, a répondu : « Je me sentais très créatif à l’époque. »
Les signes distinctifs de cette période sont la superbe précision de ses scénarios, que le réalisateur supervisait toujours et pour lesquels il préparait des story-boards détaillés, au point qu’il considérait le tournage proprement dit comme plutôt superficiel ; sa collaboration, généralement en couleur, avec le directeur de la photographie Robert Burks ; son union avec le compositeur Bernard Herrmann ; et son travail inspiré avec des stars comme Cary Grant, James Stewart et Grace Kelly.
Malgré l’importance indéniable d’actrices telles que Joan Fontaine et Ingrid Bergman dans la carrière du réalisateur, la plupart s’accordent à dire que Kelly représente la quintessence de la femme hitchcockienne – blonde, cool et dotée d’un sex-appeal « indirect ».
Comme il l’a dit à Truffaut, « Je pense que les femmes les plus intéressantes, sexuellement, sont les Anglaises. J’ai l’impression que les Anglaises, les Suédoises, les Allemandes du Nord et les Scandinaves sont beaucoup plus excitantes que les Latines, les Italiennes et les Françaises. Il ne faut pas faire de publicité pour le sexe. Une Anglaise, qui a l’air d’une institutrice, peut monter dans un taxi avec vous et, à votre grande surprise, elle va probablement ouvrir le pantalon d’un homme… sans l’élément de surprise, les scènes n’ont aucun sens. Il n’y a pas de possibilité de découvrir le sexe. »
Pendant les sept années de sa diffusion, Hitchcock a présidé plus de 350 épisodes d' »Alfred Hitchcock Presents » (connu en Ita Anal year comme « The Alfred Hitchcock Hour »). Il a (réalisé) lui-même 17 de ces émissions, et la série a fourni des opportunités précoces à de nombreux écrivains, acteurs et réalisateurs, tels que Robert Altman et William Friedkin.
Peut-être le plus important pour Hitchcock lui-même est le fait que ses introductions et ses signatures brevetées ont rendu son profil et sa voix encore plus reconnaissables pour le grand public. Toujours drôles et souvent outranciers, les commentaires de l’animateur incluaient souvent des railleries à l’égard des sponsors de son émission.
Comme il le disait à l’époque, « Je suppose que mon sponsor apprécie mon manque d’obséquiosité mais qu’au début il avait du mal à s’habituer à mes remarques plus qu’élogieuses ». Cependant, dès qu’ils ont pris conscience des effets commerciaux de mon dénigrement, ils ont cessé de remettre en question la bienséance de mes fêlures. »
Syndication active
La série Revue, sur laquelle Joan Harrison, assistante de longue date d’Hitchcock, a servi de productrice associée, est toujours en syndication active. Au cours de la même période, Hitchcock a également réalisé un drame d’une heure pour la série « Suspicion » et une autre production d’une heure pour Ford Star Time. »
En 1956, la publication a commencé de « Alfred Hitchcock’s Mystery Magazine », qui a fourni du matériel de source supplémentaire pour la série télévisée et continue avec succès aujourd’hui. Peu après, Random House, et plus tard Dell en livre de poche, ont entrepris de publier des anthologies populaires avec des titres tels que « Alfred Hitchcock Presents Stories My Mother Never Told Me ». « Stories To Be Read With The Lights On », et « Stories That Scared Even Me. »
Abandonnant pour l’instant ses luxuriantes entreprises en couleur, Hitchcock emmène son équipe de télévision dans les studios et, avec un petit budget, réalise « Psychose » en 1960. La première surprise a été de tuer une star de l’ampleur de Janet Leigh si tôt dans le film, mais la manière dont elle est morte a provoqué des chocs chez les critiques et les spectateurs et a constitué ce qui est sans doute la séquence la plus célèbre du canon d’Hitchcock.
La séquence du meurtre sous la douche ne dure que 45 secondes à l’écran, mais a nécessité sept jours et 70 réglages de caméra pour être tournée. Peu de scènes ont autant ébranlé la complaisance du public. Une partie de la vente du film consistait en l’avertissement que personne ne serait admis après le début du film, et l’apparition du réalisateur dans la bande-annonce a échangé avec succès son image télévisuelle maintenant établie.
Au milieu des années 1960, fermement installé chez Universal, Hitchcock a eu quelques sorties médiocres avec « Tom Curtain » et « Topax », ce qui a conduit certains détracteurs à prétendre qu’il était sur le déclin. Cependant, lorsque « Frenzy » est présenté au Festival de Cannes en 1972, les critiques sont pratiquement unanimes pour affirmer que le réalisateur opère à nouveau au sommet de son art.
Son 53e et dernier film, « Family Plot », sort en 1976. Peu après, Hitchcock voit un autre projet, « The Short Night », jusqu’à l’achèvement du scénario, mais sa santé qui se dégrade progressivement depuis quatre ans l’empêche de le lancer effectivement.
Bien que son premier film américain, « Rebecca », ait remporté un Oscar du meilleur film et qu’il ait été nommé personnellement cinq fois, pour « Rebecca », « Lifeboat », « Spellbound », « Rear Window » et « Psycho », il est quelque peu ironique que pratiquement le seul honneur qu’Hitchcock n’ait jamais reçu au cours de sa carrière soit un Oscar du meilleur réalisateur.
Recevant le prix Irving Thalberg de l’Académie en 1968, tout le discours d’acceptation d’Hitchcock consistait en « Merci… ». … merci beaucoup en effet. »
Parmi ses autres honneurs : des doctorats honorifiques de l’Université de Californie, de l’Université de Santa Clara et de l’Université de Columbia ; le Cecil B. DeMille Award de l’Association de la presse étrangère d’Hollywood ; le prix d’office et, plus tard, de commandeur des Arts et des Lettres du gouvernement français ; le titre de chevalier de la Légion d’honneur de la Cinémathèque française ; un hommage spécial de la Film Society of Lincoln Center en 1974, et le Life Achievement Award de l’American Film Institute en 1979.
Mais parmi toutes ses récompenses, Hitchcock a presque certainement le plus chéri le titre de chevalier qui lui a été décerné au début de cette année par sa Grande-Bretagne natale. Ce n’est peut-être qu’à travers un tel honneur qu’un enfant de la classe moyenne inférieure de Londres pouvait sentir qu’il avait, une fois pour toutes, échappé aux limitations que le système de classe lui imposait à la naissance, et bien qu’il n’ait pas pu faire le voyage pour être fait chevalier en personne, il a clairement fait savoir à l’époque qu’il était profondément touché par sa sélection.
Sa dernière apparition a eu lieu lors du récent hommage de l’API à Jimmy Stewart pour l’ensemble de sa carrière. Hitchcock n’a pas assisté au dîner lui-même, mais a pré-enregistré quelques remarques introductives pour la diffusion sur CBS. Le compagnon, le collègue et le « critique le plus dur » d’Hitchcock tout au long de sa carrière et de sa vie d’adulte a été sa femme, l’ancienne Alma Reville, qui est née un jour après lui, en 1899. Ils se sont rencontrés alors qu’ils travaillaient sur un film au studio londonien Famous Players-Lasky en 1922 et ont partagé un séjour à l’UFA en Allemagne avant de se marier en 1926.
Scénariste de plusieurs films loin de son mari, les films d’Hitchcock sur lesquels elle a été créditée du scénario comprenaient »Ses 39 pas », »Sabotage ». «
Les Hitchcock, qui persistaient à mener une vie sédentaire et relativement modeste dans une maison de style anglais à Bel Air depuis 1942 malgré leur richesse et leur prestige, avaient une fille, Patricia, qui apparaissait occasionnellement dans les films de son père. La famille possédait également une maison de vacances près de Santa Cruz et essayait toujours de passer Noël à Saint-Moritz, en Suisse, lieu de la lune de miel du couple.
La mystique Hitchcock était illustrée par de nombreuses anecdotes et histoires merveilleuses, dont beaucoup qu’il se plaisait à répéter et que les admirateurs se lassaient rarement d’entendre malgré leur familiarité. La plus souvent citée était sa remarque selon laquelle « les acteurs doivent être traités comme du bétail », et presque aussi célèbres étaient ses mots à une actrice principale angoissée – « Ingrid, ce n’est qu’un film ! »
Un farceur compulsif, Hitchcock aimait rappeler le dîner officiel qu’il avait un jour organisé et au cours duquel toute la nourriture avait été teintée en bleu. Il aimait aussi monter dans un ascenseur, se lancer dans une histoire à suspense complexe qui ferait que les étrangers seraient suspendus à chacun de ses mots, puis chronométrer le tout pour qu’il sorte juste avant d’atteindre le point culminant du récit.
En même temps, Hitchcock était un homme aux habitudes extrêmement régulières. Catholique fervent et pratiquant régulier, c’était un gourmet qui possédait l’une des meilleures caves à vin de Californie, appréciait les bons cigares, dînait tous les jeudis au Chasen’s et se vantait d’avoir perdu plus de 400 livres en suivant divers régimes au fil des ans. Sa garde-robe était entièrement constituée de costumes sombres, de chemises blanches et de cravates. Il insistait sur la ponctualité et le décorum dans sa vie et son travail, évitant les confrontations et procédant toujours de manière ordonnée et polie.
Mais le véritable miracle de la carrière d’Hitchcock était qu’il était un maître de l’amusement et du spectacle qui réussissait également, en abordant rigoureusement des thèmes personnels et obsessionnels, à créer un grand art qui invite et résiste à une investigation presque sans fin. En tant que dernier réalisateur muet important à continuer à travailler jusqu’à la fin des années 1970, Hitchcock excellait à raconter ses histoires de manière purement visuelle et était l’un des derniers grands de la vieille école qui ont commencé dans l’industrie avant que les films n’atteignent leur maturité.
C’est peut-être le fait qu’Hitchcock était le formaliste le plus en vue à Hollywood qui explique que plus de livres et d’articles aient été écrits sur son travail que sur celui de tout autre artiste de l’écran, y compris une biographie autorisée de John Russell Taylor publiée l’année dernière.
Son statut de « maître » ne fait pas seulement référence à sa propre maîtrise de son matériel, mais au degré auquel il a « enseigné » à tant d’autres réalisateurs par l’exemple des preuves à l’écran.
Le nom d’Hitchcock constitue à lui seul une définition d’un certain type de cinéma, et malgré les nombreux défis lancés par les prétendants au trône, il ne fait aucun doute que l’ensemble de son œuvre restera comme l’une des réalisations primordiales de l’art populaire du XXe siècle.
L’auto-caricature de Sir Alfred Hitchcock a fait des apparitions annuelles dans les éditions anniversaires de Daily Variety et Variety pendant 40 ans. Le premier rendu avait un aspect un peu plus épuré et comportait trois lignes sur le crâne autrement chauve, mais en 1964, Hitchcock avait révisé le portrait au design ci-dessus, ramenant les poils à un seul. Le dessin a également servi de logo pour l’émission de télévision du réalisateur.
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