Le baroque est un style d’art qui s’est épanoui en Europe du début du 17e siècle jusqu’aux années 1740. Le terme baroque vient directement du français ( » une perle de forme irrégulière « ), qui vient à son tour du portugais barroco ( » perle irrégulière « ) ; et est apparenté au barrueco espagnol et au barocco italien. En peinture, le style baroque se caractérise par une grande intensité dramatique, des couleurs riches, une lumière intense et des ombres sombres. Alors que l’art de la Renaissance est connu pour montrer une rationalité calme, les peintures de la période baroque visaient à évoquer l’émotion et la passion. Les artistes baroques capturent généralement le point le plus dramatique, le moment où l’action se déroule. On peut en voir un exemple dans plusieurs des tableaux les plus célèbres de l’époque, notamment Le retour du fils prodigue de Rembrandt, Judith tuant Holopherne d’Artemisia Gentileschi et L’appel de saint Matthieu du Caravage. Voici les 10 peintures baroques les plus célèbres.
#10 Judith terrassant Holopherne
Artiste : Artemisia Gentileschi
Année : 1620
Artemisia Gentileschi était une artiste baroque italienne qui est aujourd’hui considérée comme l’un des peintres les plus accomplis de son temps ainsi que comme l’une des plus grandes artistes féminines de tous les temps. Judith terrassant Holopherne est son œuvre la plus célèbre. Elle est basée sur une histoire de l’Ancien Testament. Dans cette histoire, Holopherne est un général assyrien qui était sur le point de détruire Béthulie, la ville natale de Judith. Judith, profitant du désir du général assyrien pour elle, réussit à entrer dans sa tente. Après avoir bu excessivement, Holopherne s’évanouit et Judith peut le décapiter, sauvant ainsi sa ville. L’une des représentations les plus célèbres de l’histoire, le tableau de Gentileschi montre le moment où Judith, aidée de sa servante, décapite le général après qu’il se soit endormi ivre.
#9 Portrait d’Innocent X
Artiste : Diego Velazquez
Année : 1650
Lors d’un voyage en Italie, Velazquez propose de peindre le portrait du pape qui lui demande d’abord de prouver ses talents de peintre. Le portrait de Velazquez de son serviteur Juan de Pareja a convaincu le pape Innocent X de son talent, ce qui a donné lieu à la création de ce célèbre chef-d’œuvre. Le portrait montre une telle impitoyabilité dans l’expression d’Innocent que certains craignaient qu’il ne déplaise au pape, mais Innocent X était plutôt satisfait et, selon la légende, a dit « Troppo vero ! » (« trop vrai ! »). (« trop vrai ! »). Le célèbre peintre du XXe siècle Francis Bacon a peint une série de variantes de ce tableau, appelées les « Papes hurlants », qui sont désormais célèbres en tant que telles. Le Portrait d’Innocent X est considéré par de nombreux critiques d’art comme le plus beau portrait jamais créé tandis que Guardian le qualifie d’étude la plus aiguë du pouvoir personnel dans l’histoire de l’art.
#8 Souper à Emmaüs
Artiste : Le Caravage
Année : 1601
Le Caravage était un artiste italien dont les peintures combinent une observation réaliste de l’état humain, à la fois physique et émotionnel, avec une utilisation dramatique de l’éclairage. Il est considéré comme l’un des artistes les plus influents de l’art occidental et ses œuvres ont eu une influence formatrice sur l’école baroque de peinture. C’est pourquoi il est connu comme le père de la peinture baroque. L’un des tableaux les plus célèbres du Caravage, Souper à Emmaüs, représente le moment où Jésus-Christ ressuscité se révèle pour la première fois à deux de ses disciples, probablement Luc et Cléopas, dans la ville d’Emmaüs. Le tableau capture en fait le moment exact où les deux apôtres réalisent qu’ils sont témoins d’un miracle inimaginable. Le Christ a été représenté sans barbe et ses robes fluides couvrent toute indication des blessures qu’il a subies pendant la crucifixion.
#7 Le Jugement de Paris
Artiste : Peter Paul Rubens
Année : 1639
Selon la mythologie grecque, Eris, la déesse de la discorde, fut empêchée d’assister au mariage de Pélée et Thétis. Ayant été insultée de la sorte, elle jeta son cadeau de mariage de l’extérieur de la porte. Ce cadeau était une pomme d’or et portait l’inscription « À la plus belle de toutes ». Les trois déesses Aphrodite, Héra et Athéna se disputèrent cette « pomme d’or de la discorde », chacune prétendant être la plus belle et donc la légitime bénéficiaire de la pomme. Paris, le prince troyen, a été choisi par Zeus pour prendre la décision. Sir Peter Paul Rubens, l’artiste baroque flamand le plus influent, a créé plusieurs versions du Jugement de Pâris et cette version de la National Gallery est peut-être la plus célèbre d’entre elles. Le mythe se termine lorsque Pâris donne la pomme d’or à Aphrodite, qui l’a soudoyé en lui promettant qu’il épouserait la plus belle femme mortelle du monde. Cela fit qu’Héra en voulut beaucoup à Pâris, ce qui finit par affecter l’issue de la guerre de Troie.
#6 La laitière
Artiste : Johannes Vermeer
Année : 1658
Johannes Vermeer était relativement obscur à son époque mais il est aujourd’hui considéré comme le plus grand peintre de l’âge d’or néerlandais avec Rembrandt. Ce tableau montre une laitière, une femme qui trait les vaches et fabrique des produits laitiers comme le beurre et le fromage. À l’époque de la création de ce tableau, la femme était plutôt connue sous le nom de « bonne de cuisine » que de « laitière » spécialisée. Vermeer montre la femme comme étant jeune et robuste. Le tableau est illusionniste. Il dépeint la scène non seulement avec des détails frappants, mais aussi avec une sensation du poids de la femme et de la table. La laitière est l’un des tableaux les plus célèbres de Vermeer, mais aussi de toute la période baroque. Elle est conservée au Rijksmuseum d’Amsterdam qui la considère comme « incontestablement l’une des plus belles attractions du musée ».
#5 Le retour du fils prodigue
Artiste : Rembrandt van Rijn
Année : 1669
Dans la parabole du fils prodigue, un père a deux fils ; le plus jeune demande son héritage, gaspille sa fortune et revient chez lui après s’être démuni. Il a l’intention de supplier son père de faire de lui un de ses serviteurs, mais le père, au contraire, célèbre son retour. Lorsque son fils aîné s’y oppose, le père lui dit qu’ils font la fête parce que son frère, qui était perdu, est maintenant revenu à la raison. Le tableau de Rembrandt dépeint le moment où le fils revient à la maison dans un état pitoyable. On voit le père accueillir son fils d’un geste tendre tandis que le frère croise les mains en signe de jugement. Rembrandt est réputé pour le réalisme exceptionnel de ses tableaux, grâce aux effets d’ombre et de lumière qui le caractérisent. Peinte à la fin de sa carrière, cette œuvre démontre sa maîtrise lorsqu’il utilise des éclairages et des couleurs expressifs pour évoquer brillamment chez le spectateur le message de pardon de la parabole. Le retour du fils prodigue est considéré par de nombreux critiques comme le plus grand chef-d’œuvre de Rembrandt et c’est une réalisation monumentale dans l’art baroque.
#4 L’appel de saint Matthieu
Artiste : Caravage
Année : 1600
Saint Matthieu était l’un des douze apôtres de Jésus et, selon la tradition chrétienne, l’un des quatre évangélistes. Au départ, Matthieu était un collecteur d’impôts et Jésus-Christ l’a trouvé assis au stand du collecteur d’impôts. « Suis-moi », lui dit Jésus, et Matthieu se lève et le suit. Cette peinture dépeint le moment où Jésus incite Matthieu à le suivre. Le Caravage est l’un des artistes les plus influents de l’histoire de l’art européen. Il a notamment peint d’après nature, sans dessin, et a développé une technique appelée ténébrisme, marquée par l’utilisation de violents contrastes de lumière et d’obscurité. Cette technique lui a permis de créer des tableaux d’une grande intensité dramatique et émotionnelle. L’Appel de saint Matthieu a fait sensation dès sa première exposition et reste l’une des œuvres les plus célèbres de l’artiste.
#3 La Ronde de nuit
Artiste : Rembrandt van Rijn
Année : 1642
Rembrandt van Rijn est considéré comme l’un des plus grands artistes de l’histoire. La Ronde de nuit lui a été commandée par le capitaine Frans Banninck Cocq et 17 membres de sa compagnie de gardes civils. Le titre approprié du tableau serait La Compagnie du capitaine Frans Banning Cocq et du lieutenant Willem van Ruytenburch. Cependant, en raison de l’impression sombre qu’il produit sur le spectateur, il est devenu connu sous le nom de La Garde de nuit. Composé de 34 personnages, le chef-d’œuvre colossal représente la compagnie, dirigée par Cocq et Ruytenburch, se dirigeant vers le spectateur. Sa renommée repose sur plusieurs facteurs, notamment sa taille énorme (11,91 pieds × 14,34 pieds), sa représentation cohérente, dynamique et réaliste, l’utilisation brillante de la lumière et des ombres par l’artiste et la maîtrise de Rembrandt qui donne l’impression au spectateur que les personnages de taille presque humaine sont sur le point de sauter de la toile et d’entrer dans l’espace réel. La Ronde de nuit est l’une des œuvres les plus renommées du portrait de groupe et c’est le tableau le plus célèbre non seulement de Rembrandt mais de tout l’âge d’or hollandais.
#2 Fille à la boucle d’oreille perlée
Artiste : Johannes Vermeer
Année : vers 1665
Fille à la boucle d’oreille en perle, l’œuvre la plus célèbre de Johannes Vermeer, représente une jeune fille européenne portant une robe exotique, un turban oriental et une grande boucle d’oreille en perle. On ne sait pas grand-chose de la vie de Jan Vermeer et on ne sait rien du modèle qui apparaît dans le tableau. Pourtant, la Jeune fille à la boucle d’oreille en perle est l’un des portraits les plus célèbres jamais créés et on l’appelle souvent la « Joconde du Nord ». Le mystère qui entoure le tableau contribue peut-être à sa renommée. En 1999, la romancière américaine Tracy Chevalier a écrit un roman historique portant le même titre que le portrait, en romançant le récit de la création du chef-d’œuvre de Vermeer. Il a ensuite été adapté en un film du même titre qui a été nommé pour trois Oscars.
#1 Las Meninas
Titre anglais : Les demoiselles d’honneur
Artiste : Diego Velazquez
Année : 1656
Considérée comme l’une des peintures les plus importantes de tous les temps, Las Meninas représente en son centre la petite Margarita Teresa âgée de 5 ans. L’enfant Margarita est entourée de ses servantes, de son garde du corps, de deux nains et d’un chien. À gauche, Velazquez se représente avec un pinceau, ce qui a valu à la BBC de qualifier ce chef-d’œuvre de « premier photobomb du monde ». Au-dessus de la tête de la princesse se trouve un miroir qui montre son père et sa mère, le roi Philippe IV d’Espagne et Mariana d’Autriche. Ils semblent être dans la position du spectateur. Velazquez représente peut-être la scène où il peint le couple royal. Las Meninas a été décrit comme représentant la « théologie de la peinture » et la « véritable philosophie de l’art » par des artistes de renom. Diego Velazquez est considéré comme l’un des peintres les plus influents de l’histoire européenne et Las Meninas est considéré comme sa réalisation suprême. C’est l’un des tableaux les plus analysés de l’histoire de l’art occidental et certainement le tableau le plus célèbre de la période baroque.
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