Alfred Hitchcock, eine anerkannte Größe unter den Hollywood-Filmemachern, der zu einer international anerkannten Persönlichkeit wurde, eine Größe, die nur wenige Regisseure erreicht haben, starb gestern um 9:15 Uhr.gestern Morgen in seinem Haus in Bel-Air. Er wurde am 13. August 80 Jahre alt und befand sich seit einigen Wochen in einem schlechten Gesundheitszustand.
Anwesend zum Zeitpunkt seines Todes, der auf natürliche Ursachen zurückgeführt wurde, waren seine 54-jährige Frau (Alma Reville), seine Tochter Patricia (Mrs. Joseph O’Connell) und seine Enkel. Joseph) O’Connell und die Enkelkinder Mrs. Jack Nickel, Mrs. Jerry Stone und Katey O’Connell.
Die Auferstehungsmesse findet am Freitag um 10 Uhr in der römisch-katholischen Kirche des Guten Hirten in Beverly Hills statt.
Die Familie bittet um Blumen oder Spenden an das Motion Picture & TV Country House and Hospital oder das Cystic Fibrosis Center of The Children s Hospital in Los Angeles.
Zu den Ehrungen, die seine Karriere kennzeichneten, gehörte auch der Ritterschlag, der ihm am 1. Januar von Queen Elizabeth verliehen wurde. Lew Wasserman, Vorstandsvorsitzender und Chief Executive Officer von MCA Inc. und zuvor Hitchcocks langjähriger Agent, sagte gestern:
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„Ich bin zutiefst betrübt über den Tod meines engen Freundes und Kollegen, Sir Alfred Hitchcock, dessen Tod heute in seinem Haus uns alle um einen großen Künstler und einen noch größeren Menschen beraubt. „Fast jede Würdigung, die Sir Alfred Hitchcock in der Vergangenheit von Filmkritikern und -historikern zuteil wurde, betonte seinen anhaltenden Einfluss auf die Welt des Films. Es ist dieser anhaltende Einfluss, verkörpert in der großartigen Reihe von Filmen, die er der Welt während des letzten halben Jahrhunderts geschenkt hat, der seinen großen Geist, seinen Humor und seinen Witz nicht nur für uns, sondern auch für nachfolgende Generationen von Kinogängern bewahren wird.
„Mein Beileid und das von uns allen, die mit Sir Alfred bei MCA/Universal verbunden waren, gilt Lady Hitchcock und den anderen Mitgliedern von Sir Alfreds Familie.“
Für einen privaten und nach eigener Aussage ängstlichen Mann, der sorgfältig einen Lebensstil entwickelte, der ihn von der Außenwelt abschirmte, hat Hitchcock das unglaubliche Kunststück vollbracht, der berühmteste Filmregisseur der Gegenwart zu werden. Abgesehen von dem einmaligen Fall Chaplins war kein Regisseur jemals so leicht erkennbar, und bei keinem anderen wurde der Name so unmittelbar mit einer bestimmten Sichtweise oder einer bestimmten Art von Film in Verbindung gebracht.
Während der meisten seiner 60 Jahre im Filmgeschäft war Hitchcock im Volksmund als „Meister der Spannung“ bekannt, und bis auf eine Handvoll seiner Werke fielen alle in die allgemeine Kategorie „Thriller“.
Aber Francois Truffaut, glühender Hitchcockianer und Autor der definitiven Interview-Studie „Hitchcock“, die dazu beitrug, sein Thema unter literarisch orientierten Intellektuellen zu legitimieren, argumentiert, dass der beleibte Engländer „unter solche Künstler der Angst wie Kafka, Dostojewski und Poe“ gehörte.“
Hitchcocks Kinder
In Anspielung auf den allgegenwärtigen Einfluss des Meisters auf Form und Stil des Kinos schrieb Truffaut, dass „die neuen amerikanischen Cineasten fast alle Hitchcocks Kinder sind. Aber hinter ihrer Vorliebe für gefilmte Gewalt fehlt ihnen etwas, das für Hitchcocks Kino wesentlich ist: das intime und tiefe Verständnis der Gefühle, die auf die Leinwand projiziert werden… Selbst wenn die Jünger für sich in Anspruch nehmen können, mit der Virtuosität des Maestros mithalten zu können, so wird ihnen doch die emotionale Kraft des Künstlers fehlen.“
Neben seinen olympischen Fähigkeiten als Filmemacher besaß Hitchcock zwei weitere Talente, die für die von ihm erlangte Berühmtheit entscheidend waren. Hitchcock, der zweifellos mit dem schlauesten Gespür für Werbung seit DeMille ausgestattet war, war ein schamloser Showman, der sein umfangreiches Profil für die Öffentlichkeit sichtbar hielt und der oft amüsante und manchmal makabre Stunts inszenierte, um seine Filme zu verhökern.
Als er 1971 nach London zurückkehrte, um „Frensy“ zu drehen, seine erste britische Produktion seit 20 Jahren, zeigte ein Foto, das weltweit zu sehen war, eine lebensgroße Nachbildung von Hitchcock, die die Themse hinunterschwamm. Einige Jahre später wurde ein Presselunch anlässlich des Beginns der Dreharbeiten zu „Family Plot“ auf einem Friedhof auf dem Universal-Gelände abgehalten, auf dessen Platzkarten in Form von Miniaturgrabsteinen die Namen der eingeladenen Journalisten zu lesen waren.
Hitchcock gehörte auch zu den reichsten Regisseuren. Nicht nur, dass seine Filme durchweg sehr profitabel waren, auch der Verkauf der Syndizierungsrechte an seiner Fernsehserie „Alfred Hitchcock Presents“, die von 1980 bis 2009 in halbstündiger Form auf CBS lief, 1980 zu NBC wechselte und in der Saison 1961-62 zu einer einstündigen Serie wurde, machte ihn zum dritt- oder viertgrößten Aktionär von MCA.
Alfred Joseph Hitchcock wurde am 13. August 1899 in einer Familie der unteren Mittelschicht im Londoner Vorort Leytonstone, Essex, geboren. Sein Vater war ein Gemüsehändler und Geflügelhändler im East End.
Eine Anekdote, die Hitchcock gerne erzählte und auf die er schwor, dass sie sehr prägend war, ereignete sich, als er sechs oder sieben Jahre alt war. Nachdem er vermutlich zu Hause ein kleines Vergehen begangen hatte, wurde der junge Alfred mit einem Zettel seines Vaters zur örtlichen Polizei geschickt, den er dem Wachtmeister zeigte. Prompt wurde er eingesperrt mit der Ermahnung: „Das machen wir mit Jungen, die unartig sind.“
Hitchcock behauptete, fortan eine große Angst vor der Polizei im Besonderen und vor Autorität im Allgemeinen gehabt zu haben, und viel von dieser Befürchtung floss in sein kreatives Schaffen ein.
Als gleichgültiger Schüler tat er sich nur in Geografie hervor. Im Alter von acht Jahren war er mit allen Buslinien Londons gefahren und erfüllte sich seine Reiseträume (die er sich später erfüllte), indem er die Fortschritte der britischen Handelsflotte mit Stecknadeln verfolgte, die er mit Hilfe von Informationen aus einem tödlichen Schifffahrtsbulletin in eine Weltkarte steckte.
Nach seiner Ausbildung bei den Jesuiten und einem Aufenthalt an der Universität von London nahm Hitchcock eine Stelle als technischer Angestellter bei einem Kabelhersteller an und wechselte bald in die Werbeabteilung, wo er seine zeichnerischen Fähigkeiten einsetzen konnte. Hitchcock, der immer noch ein Eigenbrötler war, ging gern ins Theater, hielt sich über die neuesten Innovationen im Stummfilmbereich auf dem Laufenden und war zusammen mit Ivor Montagu und anderen Intellektuellen der damaligen Zeit Mitglied des ersten Londoner Cine-Clubs.
Als Hitchcock hörte, dass die amerikanische Famous Players-Lasky Company 1920 eine Niederlassung in London eröffnete, fasste er den Plan, in das Filmgeschäft einzusteigen. Hitchcock stellte fest, dass die meisten Stummfilmtitel nicht besonders ansprechend gestaltet waren, und entwarf eine Reihe von Titelbildern, die er einem Manager vorstellte. Kurzerhand wurde der junge Mann eingestellt, und in den nächsten Jahren arbeitete er bei der amerikanischen Firma sowie bei Gainsborough und der UFA in Deutschland als Titelkomponist, Drehbuchautor, Art Director, Regieassistent und Produktionsleiter. Sein erster Film war „Woman To Woman“ (1923), bei dem er die künstlerische Leitung übernahm.
Hitchcocks erster Film als Regisseur war „The Pleasure Garden“, der 1925 auf dem Kontinent gedreht wurde. Nach „The Mountain Eagle“ kam sein erster großer Erfolg, „The Lodger“, eine Jack-the-Ripper-Geschichte, die die ersten Anzeichen für den späteren Hitchcock-Stil lieferte. „Downhill“, „Easy Virtue“, „The Ring“, „The Farmer’s Wife“, „Champagne“ und „The Manxman“ folgten in den nächsten Jahren. Sein erstes Tonfilmwerk, „Blackmail“ von 1929, war der Durchbruch für die britische Filmindustrie und machte den Regisseur zum vielversprechendsten einheimischen Talent.
Dessen ungeachtet brachten die frühen 1930er Jahre uneinheitliche Ergebnisse in Filmen wie „Blstree Calling“, „Juno And The Paycock“ (nach dem Theaterstück von O’Casey), „Murder“, „The Skin Game“, „Rich And Strange“, „Number Seventeen“ und „Waltzes From Vienna“ (oder „Strauss‘ Great Waltz“, sein einziges Musical). In der Folgezeit wurde Hitchcocks Stellung als größter britischer Regisseur jedoch durch „The Man Who Knew Too Much“, „The 39 Steps“ (Gewinner des Preises der N.Y. Film Critics für die beste Regie 1938), „Secret Agent“, „Sabotage“, „Young And Innocent“ („A Girl Was Young“) und „The Lady Vanishes“ sukzessive bestätigt.“
Mitte der 1930er Jahre wurde Hitchcock zunehmend von den Hollywood-Studios umworben, aber er zögerte bis 1938, als er nach seinem ersten Besuch an der Küste schließlich bei David O. Selznick unterschrieb, um für 800.000 Dollar fünf Filme zu drehen. Ihr erstes gemeinsames Projekt sollte die Saga der vom Unglück verfolgten Titanic sein, aber als Hitchcock von den Dreharbeiten zu seinem letzten englischen Film, „Jamaica Inn“, zurückkehrte, beschlossen die beiden, die Idee fallen zu lassen.
Stattdessen inszenierte Hitchcock „Rebecca“ von Daphne du Maurier als seinen ersten amerikanischen Film. Mit Laurence Olivier, Joan Fontaine und Judith Anderson in den Hauptrollen gewann der Film 1940 den Academy Award als bester Film, obwohl Hitchcock selbst den Oscar für die beste Regie an John Ford verlor. Hitchcock schrieb den Erfolg des Films zum Teil der Tatsache zu, dass Selznick während der Produktion so sehr mit „Vom Winde verweht“ beschäftigt war, dass er kaum Zeit hatte, sich um „Rebecca“ zu kümmern.
Selznick konnte seinem produktiven Emigranten nicht genug Arbeit bieten, um ihn zu beschäftigen, also lieh ihn der Produzent mit beträchtlichem persönlichem Gewinn an andere Studios aus. 1940 folgte der Spionage-Klassiker „Foreign Correspondent“ und im darauffolgenden Jahr die romantische Komödie „Mr. und Mrs. Smith“, bei der er als Gefallen für den Star Carole Lombard Regie führte. „Suspicion“ gewann einen Oscar für Joan Fontaine und enthält eines der definitiven Hitchcock-Bilder, nämlich das von Gary Grant, der ein leuchtendes Glas Milch zu seiner wehrlosen Braut die Treppe hinauf trägt.
Auf „Saboteur“ folgte 1943 der Film, der der Lieblingsfilm des Regisseurs unter seinen eigenen Werken blieb, „Shadow Of A Doubt“. Gedreht in Santa Rosa, Kalifornien, zeigt dieser sehr atmosphärische Film das Amerika der Mittelklasse mit Joseph Cotten in der Hauptrolle als trügerisch sympathischen, zwanghaften Mörder. Der Film ist ein Paradebeispiel für die Vorliebe des Regisseurs, das Böse in alltäglichen Situationen lauern zu lassen und die außergewöhnlichen Gefühle gewöhnlicher Charaktere zu schildern. In „Lifeboat“ beschränkte sich Hitchcock bewusst auf den kleinstmöglichen Spielraum und erfand den wohl amüsantesten Cameo-Auftritt seines Markenzeichens, nämlich den eines Vorher-Nachher-Modells in einer Zeitungsanzeige zur Gewichtsreduktion. Auf Bitten seines Freundes Sidney Bernstein vom britischen Informationsministerium kehrte Hitchcock 1944 nach London zurück, um zwei Kurzfilme zu drehen, die die Bemühungen der französischen Résistance beleuchteten: „Bon Voyage“ und „Aventure Malgache“.
„Spellbound“ war symptomatisch für Hollywoods Faszination für die Freudsche Psychologie, komplett mit einer kurzen Traumsequenz von Salvador Dali, während „Notorious“ 1946 vielleicht Hitchcocks bis dahin größte Leistung darstellte.
Der ultimative romantische Thriller, der für Selznick nach einem Drehbuch von Ben Hecht gedreht wurde, wurde oft nachgeahmt, aber nie erreicht.
„Der Fall Paradine“, eine seiner schwächeren Leistungen, beendete Hitchcocks Verpflichtungen gegenüber Selznick. Bei Warners drehte er „Rope“, ein radikales Experiment in Echtzeit, bei dem nur am Ende jeder Rolle unsichtbare Schnitte zu sehen waren und das der erste Farbfilm des Regisseurs war. Danach reiste er zum ersten Mal seit dem Krieg nach England, um das in Australien angesiedelte Historienspiel „Under Capricorn“ und „Stage Fright“ mit Marlene Dietrich zu drehen.
Nach seiner Rückkehr nach Hollywood für „Strangers On A Train“ (1951) begann für Hitchcock eine Zeit, die zweifellos seine fruchtbarste und profitabelste war. „Strangers“, „Rear Window“, „Vertigo“, „North By Northwest“, „Psycho“ und „The Birds“ gelten alle als Meisterwerke.
Zusammen mit anderen hervorragenden Werken dieser Zeit wie „Ich gestehe“, „Dial M For Murder“, „To Catch A Thief“, „The Trouble With Harry“, dem Remake von „The Man Who Knew Too Much“, „The Wrong Man“ und „Mamie“ stellen diese Filme eines der beeindruckendsten künstlerischen Intermezzi in der Geschichte des Kinos dar.
Auf die Frage von Truffaut nach seinem enormen Aufschwung in den 1950er Jahren antwortete Hitchcock in einem seiner erhabensten Understatements: „Ich fühlte mich zu der Zeit sehr kreativ.“
Merkmale dieser Zeit waren die herausragende Präzision seiner Drehbücher, die der Regisseur stets überwachte und für die er detaillierte Storyboards anfertigte, so dass er die eigentlichen Dreharbeiten als eher oberflächlich betrachtete; seine Zusammenarbeit, meist in Farbe, mit dem Kameramann Robert Burks; seine Verbindung mit dem Komponisten Bernard Herrmann; und seine inspirierte Arbeit mit Stars wie Cary Grant, James Stewart und Grace Kelly.
Trotz der unbestreitbaren Bedeutung, die Schauspielerinnen wie Joan Fontaine und Ingrid Bergman für die Karriere des Regisseurs hatten, sind sich die meisten einig, dass Kelly den Inbegriff der Hitchcock-Frau darstellt – blond, kühl und mit einem „indirekten“ Sex-Appeal.
Er sagte zu Truffaut: „Ich denke, die sexuell interessantesten Frauen sind die englischen Frauen. Ich finde, dass die Engländerinnen, die Schwedinnen, die Norddeutschen und die Skandinavierinnen viel aufregender sind als die Lateinerinnen, die Italienerinnen und die Französinnen. Sex sollte nicht beworben werden. Eine Engländerin, die wie eine Lehrerin aussieht, wird zu Ihrer Überraschung in ein Taxi steigen und wahrscheinlich einem Mann die Hose aufreißen … ohne das Überraschungsmoment werden die Szenen bedeutungslos. Es gibt keine Möglichkeit, Sex zu entdecken.“
In den sieben Jahren, in denen die Serie lief, leitete Hitchcock mehr als 350 Folgen von „Alfred Hitchcock Presents“ (in Ita Anal Jahr bekannt als „The Alfred Hitchcock Hour“). Bei 17 der Sendungen führte er selbst Regie, und die Serie bot vielen Autoren, Schauspielern und Regisseuren wie Robert Altman und William Friedkin frühe Chancen.
Für Hitchcock selbst war vielleicht am wichtigsten, dass seine patentierten Einleitungen und Unterschriften sein Profil und seine Stimme für die breite Öffentlichkeit noch bekannter machten. In seinen stets witzigen und oft unverschämten Kommentaren nahm der Moderator oft die Sponsoren seiner Sendung aufs Korn.
Wie er damals sagte: „Ich vermute, dass mein Sponsor meinen Mangel an Unterwürfigkeit genießt, aber anfangs Schwierigkeiten hatte, sich an meine mehr als verehrenden Bemerkungen zu gewöhnen. In dem Moment jedoch, in dem sie sich der kommerziellen Auswirkungen meiner Verharmlosung bewusst wurden, hörten sie auf, die Angemessenheit meiner Risse in Frage zu stellen.“
Aktive Syndizierung
Die Revue-Serie, bei der die langjährige Hitchcock-Assistentin Joan Harrison als Associate Producer fungierte, wird immer noch aktiv syndiziert. Im gleichen Zeitraum führte Hitchcock auch Regie bei einem einstündigen Drama für die Serie „Suspicion“ und bei einer weiteren einstündigen Produktion für Ford Star Time“
Im Jahr 1956 begann die Veröffentlichung von „Alfred Hitchcock’s Mystery Magazine“, das zusätzliches Quellenmaterial für die Fernsehserie lieferte und bis heute erfolgreich fortgeführt wird. Bald darauf begannen Random House und später Dell mit der Herausgabe von populären Anthologien mit Titeln wie „Alfred Hitchcock Presents Stories My Mother Never Told Me“. „
Auf seine üppigen Farbprojekte verzichtete Hitchcock vorerst, ging mit seinem Fernsehteam in die Studios und drehte 1960 mit geringem Budget „Psycho“. Die erste Überraschung war die Ermordung eines Stars von der Größe Janet Leighs so früh im Film, aber die Art und Weise ihres Ablebens schockierte Kritiker und Zuschauer und umfasste die zweifellos berühmteste Sequenz im Hitchcock-Kanon.
Die Duschmordsequenz dauert auf dem Bildschirm nur 45 Sekunden, aber für die Dreharbeiten waren sieben Tage und 70 Kameraeinstellungen erforderlich. Nur wenige Szenen haben die Selbstzufriedenheit des Publikums so stark erschüttert. Ein Teil des Verkaufs des Films bestand in der Warnung, dass nach dem Beginn des Films niemand mehr eingelassen werden würde, und der Auftritt des Regisseurs im Trailer war eine erfolgreiche Abrechnung mit seinem inzwischen etablierten TV-Image.
Mitte der 1960er Jahre, als Hitchcock fest bei Universal angestellt war, hatte er mit „Tom Curtain“ und „Topax“ ein paar minderwertige Filme gedreht, was einige Kritiker zu der Behauptung veranlasste, er befände sich im Niedergang. Als „Frenzy“ 1972 bei den Filmfestspielen in Cannes gezeigt wurde, waren sich die Kritiker jedoch nahezu einig, dass der Regisseur wieder auf dem Höhepunkt seiner Kräfte agierte.
Sein 53. und letzter Film, „Family Plot“, wurde 1976 veröffentlicht. Kurz darauf sah Hitchcock ein weiteres Projekt, „The Short Night“, durch die Fertigstellung des Drehbuchs, aber seine sich allmählich verschlechternde Gesundheit in den letzten vier Jahren hinderte ihn daran, es tatsächlich zu starten.
Obwohl sein erster amerikanischer Film, „Rebecca“, einen Oscar für den besten Film gewann und er selbst fünfmal nominiert wurde, für „Rebecca“, „Lifeboat“, „Spellbound“, „Rear Window“ und „Psycho“, ist es eine gewisse Ironie, dass praktisch die einzige Auszeichnung, die Hitchcock während seiner Karriere nie erhielt, ein Oscar als bester Regisseur war.
Als er 1968 den Irving Thalberg Award von der Academy erhielt, bestand Hitchcocks gesamte Dankesrede aus den Worten: „Danke .
Zu seinen weiteren Ehrungen gehörten: Ehrendoktorwürden der U. of California, der Santa Clara U. und der Columbia U.; der Cecil B. DeMille Award der Hollywood Foreign Press Association; der Office und später der Commander of Arts and Letters Award der französischen Regierung; der Ritterschlag der Ehrenlegion der französischen Cinematheque; eine besondere Ehrung durch die Film Society of Lincoln Center im Jahr 1974 und der American Film Institute’s Life Achievement Award im Jahr 1979.
Aber von all seinen Auszeichnungen schätzte Hitchcock den Ritterschlag, der ihm zu Beginn dieses Jahres von seinem Heimatland Großbritannien verliehen wurde, sicherlich am meisten. Vielleicht konnte ein Kind der unteren Mittelschicht Londons nur durch eine solche Ehrung das Gefühl bekommen, ein für allemal den Beschränkungen entkommen zu sein, die ihm von Geburt an durch das Klassensystem auferlegt wurden, und obwohl er nicht in der Lage war, persönlich zur Ritterschlagung zu reisen, machte er damals deutlich, dass er von seiner Wahl tief berührt war.
Seinen letzten Auftritt hatte er bei der kürzlichen Ehrung von Jimmy Stewart mit dem Life Achievement Award des API. Hitchcock nahm nicht an dem Abendessen selbst teil, sondern zeichnete einige einleitende Bemerkungen für die CBS-Sendung auf. Hitchcocks Lebensgefährtin, Arbeitskollegin und „härteste Kritikerin“ während seiner gesamten Karriere und seines Erwachsenenlebens war seine Frau, die ehemalige Alma Reville, die 1899 einen Tag nach ihm geboren wurde. Die beiden lernten sich 1922 bei der Arbeit an einem Film im Londoner Studio Famous Players-Lasky kennen und verbrachten gemeinsam einen Aufenthalt bei der UFA in Deutschland, bevor sie 1926 heirateten.
Als Autorin mehrerer Filme, die nicht von ihrem Mann gedreht wurden, schrieb sie unter anderem die Drehbücher zu „Seine 39 Stufen“, „Sabotage“ und „Suapicion“. „
Die Hitchcocks, die trotz ihres Reichtums und ihres Ansehens seit 1942 ein ruhiges und relativ bescheidenes Leben in einem Haus im englischen Stil in Bel Air führten, hatten eine Tochter, Patricia, die gelegentlich in den Filmen ihres Vaters mitspielte. Die Familie besaß auch ein Ferienhaus in der Nähe von Santa Cruz und versuchte immer, Weihnachten in St. Moritz in der Schweiz zu verbringen, wo das Paar seine Flitterwochen verbracht hatte.
Der Hitchcock-Mythos wurde durch viele wunderbare Anekdoten und Geschichten verkörpert, von denen er viele gerne wiederholte und die seine Bewunderer trotz ihrer Bekanntheit selten müde wurden zu hören. Am häufigsten wurde seine Bemerkung zitiert, dass „Schauspieler wie Vieh behandelt werden sollten“, und fast ebenso berühmt waren seine Worte an eine ängstliche Hauptdarstellerin: „Ingrid, es ist doch nur ein Film!“
Als zwanghafter Witzbold erinnerte sich Hitchcock gern an die formelle Dinnerparty, die er einmal gab und bei der alle Speisen blau gefärbt waren. Er genoss es auch, in einem Aufzug zu fahren und eine spannende Geschichte zu erzählen, bei der die Fremden an jedem seiner Worte hingen, und dann das Timing so zu wählen, dass er ausstieg, kurz bevor er den Höhepunkt der Geschichte erreichte.
Zur gleichen Zeit war Hitchcock ein Mann mit äußerst regelmäßigen Gewohnheiten. Er war ein gläubiger Katholik und regelmäßiger Kirchgänger, ein Feinschmecker, der einen der besten Weinkeller in Kalifornien besaß, gute Zigarren genoss, jeden Donnerstag im Chasen’s zu Abend aß und sich rühmte, im Laufe der Jahre durch verschiedene Diäten über 400 Pfund abgenommen zu haben. Seine Garderobe bestand ausschließlich aus dunklen Anzügen, weißen Hemden und Krawatten. Er legte Wert auf Pünktlichkeit und Anstand in seinem Leben und bei seiner Arbeit, ging Konfrontationen aus dem Weg und verhielt sich stets ordentlich und höflich.
Das eigentliche Wunder von Hitchcocks Karriere bestand jedoch darin, dass er ein meisterhafter Entertainer und Showman war, der es außerdem schaffte, durch die rigorose Auseinandersetzung mit persönlichen, obsessiven Themen große Kunst zu schaffen, die zu fast endlosen Untersuchungen einlädt und diesen standhält. Als letzter bedeutender Stummfilmregisseur, der bis in die späten 1970er Jahre hinein arbeitete, zeichnete sich Hitchcock dadurch aus, dass er seine Geschichten auf rein visuelle Weise erzählte, und er war einer der letzten Großen der alten Schule, die in der Branche begannen, bevor der Film ausgereift war.
Die Tatsache, dass Hitchcock der prominenteste Formalist in Hollywood war, mag der Grund dafür sein, dass über sein Werk mehr Bücher und Artikel geschrieben wurden als über das jedes anderen Filmkünstlers, darunter eine autorisierte Biografie von John Russell Taylor, die im vergangenen Jahr veröffentlicht wurde.
Sein Status als „Meister“ bezieht sich nicht nur auf seine eigene Beherrschung des Materials, sondern auf das Ausmaß, in dem er so viele andere Regisseure durch das Beispiel der Beweise auf der Leinwand „gelehrt“ hat.
Der Name Hitchcock allein steht als Definition für eine bestimmte Art von Kino, und trotz vieler Anfechtungen durch Thronanwärter besteht kein Zweifel daran, dass sein Werk als eine der größten Errungenschaften der populären Kunst des 20. Jahrhunderts in Erinnerung bleiben wird.
Sir Alfred Hitchcocks Selbstkarikatur erschien 40 Jahre lang jährlich in den Jubiläumsausgaben von Daily Variety und Variety. Die erste Version sah etwas schlichter aus und zeigte drei Striche auf dem ansonsten kahlen Kopf, aber 1964 hatte Hitchcock das Porträt auf das obige Design überarbeitet und die Haare auf einen Strich reduziert. Die Zeichnung diente auch als Logo für die Fernsehshow des Regisseurs.