Art Of The New Deal: How Artists Helped Redefine America During The Depression

La Gran Depresión desafió a los estadounidenses no sólo con un desempleo terriblemente alto, sino con divisiones ideológicas no muy diferentes a las que enfrentamos hoy. Hoy en día, una encuesta tras otra muestra que el país está profundamente dividido en cuestiones importantes. El racismo, la islamofobia y el antisemitismo van en aumento. En aquel entonces, el movimiento obrero estaba floreciendo; también lo estaba el número de miembros del Ku Klux Klan. El antisemitismo rampante informaba a poderosas figuras públicas como Henry Ford y Charles Lindbergh, y millones de personas escuchaban cómo el padre Charles Coughlin despotricaba contra los inmigrantes y a favor del fascismo en sus emisiones semanales de radio. Mientras tanto, los negros eran excluidos de los comedores sociales segregados mientras el desempleo afroamericano rondaba el 50%.

Cuando la administración de Roosevelt desembolsó decenas de millones de dólares durante el New Deal para financiar a artistas, músicos, escritores y actores, su misión era algo más que la creación de empleo. Quería crear una versión de la cultura estadounidense que todo el mundo pudiera apoyar. La música, las clases de arte, los carteles, las obras de teatro y la fotografía, financiados por el gobierno federal, debían unir a una nación en plena ebullición.

Trabajando para la Farm Security Administration, los fotógrafos Dorothea Lange y Walker Evans tomaron fotos empáticas de los aparceros blancos rurales. Gordon Parks documentó los rostros resistentes de la clase trabajadora negra de Washington, D.C.

El compositor Aaron Copland recibió el encargo de la Works Progress Administration de escribir Quiet City para el Group Theatre en 1939. El pintor Jackson Pollock robaba comida de los carritos antes de ser contratado por la famosa división de murales de la WPA. Y el escritor Ralph Ellison utilizó el lenguaje de las historias orales que grabó para la WPA en Harlem en su posterior e innovadora novela El hombre invisible.

Sólo el siete por ciento de su presupuesto se destinaba a proyectos federales de arte e historia, pero la WPA pagaba a los artistas un salario digno, dice Ann Prentice Wagner, que fue co-curadora de la exposición del Smithsonian de 2009 1934: Un nuevo trato para los artistas. Músicos, escritores y otros artistas fueron contratados con distintos niveles salariales, según sus habilidades. «Los maestros del arte podían ganar hasta cuarenta y cinco dólares a la semana», dice Wagner. Ajustado a la inflación, eso equivale a 855 dólares en 2020. «Esto ocurría en una época en la que los obreros, como los estibadores, podían ganar 10 centavos por hora o incluso uno o dos dólares al día».

En una época en la que muchos estadounidenses sentían que tenían poco en común, la WPA les aseguró una identidad cultural vital y compartida a través del teatro, el arte y la música, dice Lauren Sklaroff, profesora de historia de la Universidad de Carolina del Sur. «Muchos estadounidenses no habían visto nunca una obra de teatro en directo, ni habían escuchado una sinfonía en vivo, ni habían visitado nunca un museo de arte», dice. «Así que la idea del proyecto federal de arte era llevar el arte a las masas para que Estados Unidos tuviera un léxico común al que recurrir, en términos de lo que significaba la cultura».

Esa cultura podía significar la emisión de coros de gospel afroamericanos a nivel nacional en la radio a través de los auspicios de la WPA, o la contratación de un joven Mark Rothko para pintar. Richard Wright contribuyó a la guía de la WPA para la ciudad de Nueva York. John Cheever odiaba trabajar como editor para el Proyecto Federal de Escritores, pero el trabajo le ayudó a establecer su carrera de escritor. El director Orson Welles puso en escena una célebre versión de Macbeth para el Proyecto Federal de Teatro con un reparto totalmente negro que acabó recorriendo el país. (Puede ver partes de ella aquí.)

«La administración Roosevelt contaba con un gabinete de afroamericanos que les asesoraba en cuestiones raciales, y lo mismo ocurría con estos proyectos artísticos», afirma Sklaroff. Aunque a menudo eran problemáticos, subraya, estos programas también eran progresistas para su época. Equipos de documentalistas, blancos y negros, grabaron historias orales de estadounidenses anteriormente esclavizados. Aunque los resultados son, en el mejor de los casos, desiguales, los registros constituyen ahora una importante colección en la Biblioteca del Congreso y forman la base de muchos estudios contemporáneos sobre la esclavitud.

Entre los profesores, ministros y secretarios desempleados contratados por el Proyecto Federal de Escritores para grabar canciones e historias en varias comunidades había una joven antropóloga. Zora Neale Hurston había escrito recientemente una novela -Sus ojos miraban a Dios- y grabó las canciones de los trabajadores de los campos de trementina de Florida. Su jefe, Stetson Kennedy, alcanzaría más tarde fama nacional por infiltrarse en el Ku Klux Klan y sacar a la luz sus secretos.

«La generación que se salvó gracias a esa financiación resultó ser la más grande y aclamada de la historia del arte estadounidense», afirma Ann Prentice Wagner. De hecho, es difícil cuantificar los beneficios actuales de los programas artísticos de la WPA. Sus murales siguen decorando ayuntamientos, oficinas de correos y escuelas públicas (no sin polémica) y cientos de los centros artísticos comunitarios que creó siguen existiendo en todo el país. Los críticos denunciaron estos proyectos como propaganda y, según los líderes artísticos entrevistados para este artículo, es una ilusión imaginar que los programas artísticos de la WPA puedan revivir pronto. Para Wagner, sin embargo, su relevancia nunca ha estado tan clara. «¿Cómo sabemos lo que tenemos esta vez?», se pregunta. «¿Cómo sabemos en qué podrían estar trabajando las mentes creativas ahora mismo si no les damos una oportunidad?»

Es muy poco probable que el gobierno actual financie murales de trabajadores de primera línea, dependientes de supermercados, empacadores de carne o trabajadores de almacenes de Amazon en las paredes de instituciones cívicas. Tampoco se necesita el arte público con tanta urgencia como los EPI, o una vacuna para el COVID-19. Sin embargo, Wagner señala que pagar a la gente para que encuentre y cuente historias que promuevan los valores americanos compartidos podría ayudar con otra enfermedad que sufre el país en estos momentos.