Alfred Hitchcock, un grande reconocido entre los cineastas de Hollywood que se convirtió en una personalidad internacionalmente reconocida, una estatura que pocos directores han alcanzado, murió a las 9:15 a.m. de ayer en su casa de Bel-Air. Tenía 80 años el pasado 13 de agosto y llevaba varias semanas con la salud deteriorada.
En el momento de la muerte, que se atribuyó a causas naturales, estaban presentes su esposa de 54 años (Alma Reville); su hija Patricia (Mrs. Joseph) O’Connell y sus nietos, la Sra. Jack Nickel, la Sra. Jerry Stone y Katey O’Connell.
La misa de la Resurrección se celebrará el viernes a las 10 de la mañana en la Iglesia Católica Romana del Buen Pastor en Beverly Hills.
La familia sugiere que las flores o las contribuciones se envíen a la Motion Picture & TV Country House and Hospital o al Cystic Fibrosis Center of The Children s Hospital en Los Ángeles.
Entre los honores que marcaron su carrera, apreciaba el título de caballero otorgado el pasado 1 de enero por la reina Isabel. Lew Wasserman, presidente del consejo de administración y director ejecutivo de MCA Inc. y anteriormente agente de Hitchcock durante muchos años, dijo ayer:
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«Estoy profundamente entristecido por la muerte de mi íntimo amigo y colega, Sir Alfred Hitchcock, cuyo fallecimiento hoy en su casa nos priva a todos de un gran artista y de un ser humano aún más grande. «Casi todos los homenajes rendidos a Sir Alfred en el pasado por los críticos e historiadores del cine han destacado su continua influencia en el mundo del cine. Es esa influencia continuada, encarnada en la magnífica serie de películas que ha dado al mundo, durante el último medio siglo, la que preservará su gran espíritu, su humor y su ingenio, no sólo para nosotros sino para las sucesivas generaciones de espectadores.
«Mis condolencias, así como las de todos los que estuvimos asociados con Sir Alfred en MCA/Universal, van dirigidas a Lady Hitchcock y a los demás miembros de la familia de Sir Alfred».»
Para un hombre reservado y autoproclamado temeroso, que se creó cuidadosamente un estilo de vida que le protegía del mundo exterior, Hitchcock logró la increíble hazaña de convertirse en el más famoso de los directores de cine contemporáneos. Aparte del caso único de Chaplin, ningún director fue tan instantáneamente reconocible, y el nombre de ninguno evocó tan inmediatamente un punto de vista o un tipo de película distintos.
A lo largo de la mayor parte de sus 60 años en el negocio del cine, Hitchcock fue conocido popularmente como el «maestro del suspense», y todas sus obras, excepto un puñado, entraron en la categoría general de «thrillers».»
Pero François Truffaut, ferviente hitchcockiano y autor del estudio definitivo de Interview, «Hitchcock», que ayudó a legitimar su tema entre los intelectuales orientados al llterismo, sostiene que el corpulento inglés pertenecía «a artistas de la ansiedad como Kafka, Dostoyevsky y Poe.»
Los hijos de Hitchcock
Aludiendo a la omnipresente influencia del maestro sobre la forma y los estilos cinematográficos, Truffaut escribió que «los nuevos cinéfilos americanos son casi todos hijos de Hitchcock. Pero detrás de su gusto por la violencia filmada, les falta algo esencial del cine de Hitchcock: la comprensión íntima y profunda de las emociones proyectadas en la pantalla…». Aunque los discípulos puedan pretender rivalizar con el virtuosismo del maestro, seguramente les faltará la fuerza emocional del artista»
Además de sus habilidades olímpicas como cineasta, Hitchcock poseía otros dos talentos cruciales para la eminencia que alcanzó. Dotado sin duda del más astuto sentido de la promoción desde DeMille, Hitchcock era un desvergonzado showman que mantenía su amplio perfil muy visible para el público y que a menudo escenificaba divertidas y a veces macabras acrobacias para pregonar sus películas.
Cuando regresó a Londres en 1971 para rodar «Frensy», su primera producción británica en 20 años, una fotografía vista en todo el mundo mostraba una réplica a tamaño real de Hitchcock flotando por el río Támesis. Unos años más tarde, un almuerzo de prensa que anunciaba el comienzo de «Family Plot» se celebró en un cementerio situado en el terreno de la Universal con carteles en forma de lápidas en miniatura con los nombres de los periodistas invitados.
Alfred Hitchcock delante de una caricatura de su perfil en un retrato promocional de la serie antológica de televisión ‘Alfred Hitchcock Presents’. Crédito de la foto: Central Press/Getty Images
Hitchcock también estaba entre los directores más ricos. No sólo sus películas gozaban de un alto grado de rentabilidad, sino que la venta de los derechos de sindicación de su serie de televisión «Alfred Hitchcock Presents», que se emitió en formato de media hora en la CBS de 1980 a 2009, pasando a la NBC en 1980 y convirtiéndose en un programa de una hora de duración en la temporada 1961-62, le convirtió en el tercer o cuarto mayor accionista de la MCA.
Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en el seno de una familia de clase media baja en el suburbio londinense de Leytonstone, Essex. Su padre era un verdulero y avicultor del East End.
Una anécdota que a Hitchcock le gustaba contar y que juraba que era muy formativa ocurrió cuando tenía seis o siete años. Tras cometer, presumiblemente, alguna infracción menor en casa, el joven Alfred fue enviado a la policía local con una nota de su padre, que mostró al oficial de la comisaría. En seguida lo encerraron con la advertencia: «Esto es lo que hacemos a los niños que se portan mal».
Hitchcock afirmó que desde entonces albergaba un intenso temor a la policía en particular y a la autoridad en general, y gran parte de esta aprensión se reflejó en su obra creativa.
Estudiante indiferente, sólo destacaba en geografía. A la edad de ocho años, había recorrido todas las líneas de autobús de Londres y satisfacía sus sueños de viajar (que más tarde cumpliría) siguiendo el progreso de la flota mercante británica con alfileres clavados en un mapamundi a partir de la información recopilada en un boletín marítimo. Hitchcock, que seguía siendo un tipo solitario, era un ávido aficionado al teatro, se mantenía al tanto de las últimas innovaciones del cine mudo y era miembro del primer cineclub de Londres, junto con Ivor Montagu y otros intelectuales de la época.
Cuando Hitchcock se enteró de que la compañía estadounidense Famous Players- Lasky iba a abrir una oficina en Londres en 1920, ideó un plan para entrar en el negocio del cine. Observando el diseño mediocre de los títulos de crédito de la mayoría de las películas mudas, Hitchcock elaboró una serie de títulos de crédito que presentó a un ejecutivo. En poco tiempo, el joven fue contratado y, durante los años siguientes, trabajó en la empresa estadounidense, así como en Gainsborough y UFA en Alemania, como compositor de títulos, guionista, director artístico, ayudante de dirección y director de producción. Su primer crédito en la pantalla fue como director artístico en «De mujer a mujer» en 1923.
La primera película de Hitchcock como director fue «El jardín del placer», rodada en el continente en 1925. Después de «El águila de la montaña» llegó su primer gran éxito, «El inquilino», una historia de Jack el Destripador que dio los primeros indicios reales del estilo Hitchcock que estaba por llegar. «Downhill», «Easy Virtue», «The Ring», «The Farmer’s Wife», «Champagne» y «The Manxman» le siguieron en los dos años siguientes. Su primer trabajo sonoro, «Chantaje», en 1929, fue el avance de la industria cinematográfica británica, marcando a su director como el talento nacional más prometedor.
Sin embargo, los primeros años de la década de los 30 dieron resultados desiguales en películas como «Blstree Calling», «Juno And The Paycock» (de la obra de O’Casey), «Murder», «The Skin Game», «Rich And Strange», «Number Seventeen» y «Waltzes From Vienna» (o «Strauss’ Great Waltz», su único musical). Posteriormente, sin embargo, el prestigio de Hitchcock como el mejor director británico se confirmó sucesivamente con «El hombre que sabía demasiado», «Los 39 escalones» (ganadora del premio de los críticos de cine de Nueva York de 1938 a la mejor dirección), «Agente secreto», «Sabotaje», «Joven e inocente» («Una chica era joven») y «La dama desaparece».»
A mediados de los años 30, Hitchcock fue cortejado por los estudios de Hollywood, pero se hizo de rogar hasta que en 1938, tras su primera visita a la Costa, firmó finalmente con David O. Selznick para dirigir cinco películas por 800.000 dólares. Su primer proyecto conjunto iba a ser la saga del malogrado Titanic, pero cuando Hitchcock regresó del rodaje de su última película inglesa, «Jamaica Inn», la pareja decidió abandonar la idea.
En su lugar, Hitchcock dirigió «Rebeca», de Daphne du Maurier, como su primera película americana. Protagonizada por Laurence Olivier, Joan Fontaine y Judith Anderson, ganó el premio de la Academia a la mejor película de 1940, aunque el propio Hitchcock perdió el Oscar a la mejor dirección en favor de John Ford. Hitchcock atribuyó parte del éxito de la película al hecho de que, durante su producción, Selznick estaba tan inmerso en la realización de «Lo que el viento se llevó» que apenas tenía tiempo para interferir en «Rebeca».
Selznick no podía proporcionar a su prolífico emigrante suficiente trabajo para mantenerlo ocupado, por lo que el productor lo prestó a otros estudios con un considerable beneficio personal. Más tarde, en 1940, llegó la clásica aventura de espionaje «Foreign Correspondent», seguida al año siguiente por la comedia romántica «Mr. and Mrs. Smith», que dirigió como favor a su estrella Carole Lombard. «Sospecha» ganó un Oscar para Joan Fontaine y contiene una de las imágenes definitivas de Hitchcock, la de Gary Grant llevando un luminoso vaso de leche por las escaleras a su indefensa novia.
«Saboteador» fue seguida en 1943 por la película que sigue siendo la favorita del director entre sus propias obras, «La sombra de una duda». Rodada en Santa Rosa, California, esta evocación altamente atmosférica de la América de clase media está protagonizada por Joseph Cotten en el papel de un asesino compulsivo aparentemente simpático. La película es un excelente ejemplo de la inclinación del director por presentar el mal acechando en lugares comunes y por describir los extraordinarios sentimientos de personajes ordinarios. En «Lifeboat», Hitchcock se limitó deliberadamente al menor espacio posible e inventó la que probablemente sea la más divertida de sus apariciones en un cameo, la de un modelo que aparece antes y después en un anuncio de periódico para adelgazar. A petición de su amigo Sidney Bernstein, del Ministerio de Información británico, Hitchcock regresó a Londres en 1944 para rodar dos cortometrajes que destacaban los esfuerzos de la resistencia francesa, «Bon Voyage» y «Aventure Malgache»
«Spellbound» fue sintomática de la fascinación de Hollywood por la psicología freudiana, completada con una breve secuencia onírica de Salvador Dalí, mientras que «Notorious», en 1946, marcó quizás el logro supremo de Hitchcock hasta ese momento.
El thriller romántico definitivo, realizado para Selznick a partir de un guión de Ben Hecht, la película protagonizada por Cary Grant e Ingrid Bergman ha sido imitada a menudo pero nunca igualada.
«El caso Paradine», uno de sus esfuerzos menores, puso fin a las obligaciones de Hitchcock con Selznick. A partir de entonces, el director funcionó como su propio productor (aunque nunca con crédito en pantalla como tal).
En la Warners realizó «Rope», un experimento radical de filmación en tiempo real que presentaba cortes invisibles sólo al final de cada rollo y que fue la primera película en color del director. A continuación, viajó a Inglaterra por primera vez desde la guerra para rodar la obra de época australiana «Under Capricorn» y «Stage Fright», con Marlene Dietrich.
A su regreso a Hollywood para rodar «Extraños en un tren», en 1951, Hitchcock entró en lo que fue sin duda su periodo más fértil y rentable. «Extraños», «La ventana indiscreta», «Vértigo», «North By Northwest», «Psicosis» y «Los pájaros» son obras maestras.
Junto con otras excelentes obras de la época como «I Confess», «Dial M For Murder», «To Catch A Thief», «The Trouble With Harry», el remake de «The Man Who Knew Too Much», «The Wrong Man» y «Mamie», estas películas representan uno de los interludios artísticos más impresionantes de la historia del cine.
Preguntado por Truffaut sobre su tremendo auge en los años 50, Hitchcock, en una de sus más sublimes subestimaciones, respondió: «Me sentía muy creativo en ese momento.»
Las señas de identidad de la época eran la magnífica precisión de sus guiones, que el director siempre supervisaba y para los que preparaba detallados storyboards, hasta el punto de que consideraba el rodaje real más bien superficial; su colaboración, normalmente en color, con el director de fotografía Robert Burks; su unión con el compositor Bernard Herrmann; y su inspirado trabajo con estrellas como Cary Grant, James Stewart y Grace Kelly.
A pesar de la innegable importancia de actrices como Joan Fontaine e Ingrid Bergman en la carrera del director, la mayoría estaría de acuerdo en que Kelly representaba la mujer hitchcockiana por excelencia: rubia, fría y con un atractivo sexual «indirecto».
Como le dijo a Truffaut: «Creo que las mujeres más interesantes, sexualmente, son las inglesas. Creo que las inglesas, las suecas, las alemanas del norte y las escandinavas son mucho más excitantes que las latinas, las italianas y las francesas. El sexo no debería anunciarse. Una chica inglesa, con aspecto de maestra de escuela, es capaz de subirse a un taxi contigo y, para tu sorpresa, probablemente le abrirá los pantalones a un hombre… sin el elemento sorpresa las escenas carecen de sentido. No hay posibilidad de descubrir el sexo».
Durante los siete años de su emisión, Hitchcock presidió más de 350 episodios de «Alfred Hitchcock Presents» (conocido en el año Ita Anal como «The Alfred Hitchcock Hour»). Él mismo dirigió 17 de los programas, y la serie proporcionó oportunidades tempranas a muchos escritores, actores y directores, como Robert Altman y William Friedkin.
Quizás lo más significativo para el propio Hitchcock fue el hecho de que sus introducciones y firmas patentadas hicieron que su perfil y su voz fueran aún más reconocibles para el público en general. Los comentarios del presentador, siempre graciosos y a menudo escandalosos, incluían a menudo burlas hacia los patrocinadores de su programa.
Como reflexionó en su momento: «Supongo que mi patrocinador disfruta de mi falta de obsecuencia, pero al principio le costó acostumbrarse a mis comentarios, que no eran de adoración. Sin embargo, en el momento en que se dieron cuenta de los efectos comerciales de mi menosprecio, dejaron de cuestionar la propiedad de mis grietas».
Sindicación activa
La serie «Revue», en la que la veterana asistente de Hitchcock, Joan Harrison, actuó como productora asociada, sigue en sindicación activa. Durante el mismo período, Hitchcock también dirigió un drama de una hora de duración para la serie «Suspicion» y otra producción de una hora para Ford Star Time»
En 1956, comenzó la publicación de «Alfred Hitchcock’s Mystery Magazine», que proporcionó material fuente adicional para la serie de televisión y continúa con éxito en la actualidad. Poco después, Random House, y más tarde Dell en rústica, emprendieron la publicación de populares antologías con títulos como «Alfred Hitchcock Presents Stories My Mother Never Told Me». «Historias para leer con las luces encendidas» e «Historias que me asustaron incluso a mí».
Abandonando por el momento sus exuberantes aventuras en color, Hitchcock llevó a su equipo de televisión a los estudios y, con un bajo presupuesto, realizó «Psicosis» en 1960. La primera sorpresa fue el asesinato de una estrella de la magnitud de Janet Leigh en una fase tan temprana de la película, pero la forma de su muerte conmocionó a la crítica y a los espectadores y constituyó la secuencia más famosa del canon de Hitchcock.
La secuencia del asesinato en la ducha dura sólo 45 segundos en la pantalla, pero su rodaje requirió siete días y 70 montajes de cámara. Pocas escenas han sacudido tanto la complacencia del público. Parte de la venta de la película consistió en la advertencia de que no se admitiría a nadie una vez comenzada la película, y la aparición del director en el tráiler se tradujo con éxito en su ya establecida imagen televisiva.
A mediados de la década de 1960, firmemente instalado en la Universal, Hitchcock tuvo un par de salidas mediocres con «Tom Curtain» y «Topax», lo que llevó a algunos detractores a afirmar que estaba en declive. Sin embargo, cuando «Frenesí» se proyectó en el Festival de Cannes de 1972, la crítica fue prácticamente unánime al afirmar que el director volvía a estar en la cima de sus capacidades.
Su 53ª y última película, «Family Plot», se estrenó en 1976. Poco después, Hitchcock vio otro proyecto, «The Short Night», hasta completar el guión, pero su salud, que se fue deteriorando gradualmente durante los últimos cuatro años, le impidió ponerlo en marcha.
Aunque su primera película americana, «Rebeca», ganó un premio de la Academia a la mejor película y fue nominado personalmente en cinco ocasiones, por «Rebeca», «Bote salvavidas», «Spellbound», «La ventana indiscreta» y «Psicosis», resulta un tanto irónico que prácticamente el único honor que Hitchcock nunca recibió durante su carrera fuera un Oscar como mejor director.
Al recibir el premio Irving Thalberg de la Academia en 1968, todo el discurso de aceptación de Hitchcock consistió en: «Gracias . Entre otros reconocimientos, recibió los doctorados honoríficos de la Universidad de California, la Universidad de Santa Clara y la Universidad de Columbia. DeMille de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood; el Premio de la Oficina y, posteriormente, de Comandante de las Artes y las Letras del gobierno francés; el título de Caballero de la Legión de Honor de la Cinemateca Francesa; un homenaje especial de la Sociedad Cinematográfica del Lincoln Center en 1974, y el Premio a la Trayectoria del American Film Institute en 1979.
Pero entre todos sus galardones, Hitchcock es sin duda el que más aprecia el título de caballero que le concedió a principios de este año su Gran Bretaña natal. Tal vez sólo a través de tal honor podría un niño de clase media-baja de Londres sentir que, de una vez por todas, había escapado de las limitaciones impuestas en su nacimiento por el sistema de clases, y aunque no pudo hacer el viaje para ser nombrado caballero en persona, dejó claro en ese momento que estaba profundamente conmovido por su selección.
Su última aparición se produjo en el reciente premio Life Achievement Award de la API a Jimmy Stewart. Hitchcock no asistió a la cena en sí, pero grabó previamente algunos comentarios introductorios para la emisión de la CBS. La compañera de trabajo de Hitchcock y su «crítica más dura» durante toda su carrera y su vida adulta fue su esposa, la ex Alma Reville, que nació un día después que él en 1899. Ambos se conocieron mientras trabajaban en una película en el estudio londinense Famous Players-Lasky en 1922 y compartieron una estancia en la UFA en Alemania antes de casarse en 1926.
Guionista de varias películas lejos de su marido, las películas de Hitchcock en las que recibió créditos de guión incluyeron ‘»Los 39 escalones», «Sabotaje». «Los Hitchcock, que siguieron llevando una vida tranquila y relativamente modesta en una casa de estilo inglés en Bel Air desde 1942, a pesar de su riqueza y prestigio, tuvieron una hija, Patricia, que apareció ocasionalmente en las películas de su padre. La familia también tenía una casa de vacaciones cerca de Santa Cruz y siempre intentaba pasar las Navidades en St. Moritz, Suiza, el lugar de la luna de miel de la pareja.
La mística de Hitchcock estaba ejemplificada por muchas anécdotas e historias maravillosas, muchas de las cuales se deleitaba en repetir y que los admiradores rara vez se cansaban de escuchar a pesar de su familiaridad. La más citada era su comentario de que «hay que tratar a los actores como si fueran ganado», y casi igual de famosas fueron sus palabras a una actriz principal angustiada: «¡Ingrid, sólo es una película!»
Como bromista compulsivo, a Hitchcock le encantaba recordar la cena formal que organizó una vez en la que toda la comida estaba teñida de azul. También le gustaba subir a un ascensor y empezar a contar una historia de suspense en la que los desconocidos estuvieran pendientes de cada una de sus palabras, para luego salir justo antes de alcanzar el clímax de la historia.
Al mismo tiempo, Hitchcock era un hombre de hábitos muy regulares. Católico devoto y asiduo a la iglesia, era un gastrónomo que presumía de tener una de las mejores bodegas de vino de California, disfrutaba de los buenos puros, cenaba todos los jueves en Chasen’s y se jactaba de haber perdido más de 400 libras con varias dietas a lo largo de los años. Su vestuario consistía enteramente en trajes oscuros, camisas blancas y corbatas. Insistía en la puntualidad y el decoro en su vida y en su trabajo, evitando los enfrentamientos y procediendo siempre de forma ordenada y educada.
Pero el verdadero milagro de la carrera de Hitchcock fue que fue un maestro del entretenimiento y del espectáculo que también consiguió, a través del riguroso tratamiento de temas personales y obsesivos, crear un gran arte que invita, y soporta, una investigación casi infinita. Como último director mudo importante que continuó trabajando hasta finales de la década de 1970, Hitchcock destacó por contar sus historias de forma puramente visual y fue uno de los últimos grandes de la vieja escuela que comenzó en la industria antes de que las películas alcanzaran la madurez.
Puede que el hecho de que Hitchcock fuera el formalista más prominente de Hollywood explique que se hayan escrito más libros y artículos sobre su obra que sobre la de cualquier otro artista de la pantalla, incluida una biografía autorizada de John Russell Taylor publicada el año pasado.
Su condición de «maestro» no sólo se refiere a su propio dominio sobre su material, sino al grado en que «enseñó» a tantos otros directores con el ejemplo de las pruebas en la pantalla.
El nombre de Hitchcock se erige por sí solo como definición de un determinado tipo de cine y, a pesar de los muchos desafíos de los pretendientes al trono, no hay duda de que su obra permanecerá como uno de los logros más importantes del arte popular del siglo XX.
La autocaricatura de Sir Alfred Hitchcock apareció anualmente en las ediciones de aniversario de Daily Variety y Variety durante 40 años. La primera versión tenía un aspecto algo más elegante y presentaba tres líneas en la calva, pero en 1964 Hitchcock había revisado el retrato con el diseño anterior, reduciendo los pelos a uno. El dibujo también sirvió de logotipo para el programa de televisión del director.